Artele plastice rusești ale secolului XX. Arta plastică rusă a secolului XX

Tendința realistă în artă de la sfârșitul secolului al XIX-lea a început să piardă teren. La începutul secolului, Art Nouveau a început să domine. Se caracterizează prin linii ornate, motive biomorfe, utilizarea de noi materiale și tehnologii.

În pictură, convenționalitatea decorativă, ornamentația covorului, clară, parcă se manifestă imagini sculpturale.

M. A. Vrubel (1856–1910) a fost un reprezentant proeminent al stilului Art Nouveau, a cărui artă a jucat sub motto-ul „totul este decorativ”. „Demon” - imaginea definitorie în opera lui Vrubel. După imaginea lui, nu există dorința de a birui propriile îndoieli, ci doar deznădejde și deznădejde. Pensulele lui Vrubel aparțin multor portrete, unul dintre ele este omul de afaceri și filantropul Mamontov. Artistul și-a exprimat fabulozitatea și altminteri în lucrările sale „Pan”, „The Swan Princess” și alte imagini mitice.

Vrubel folosit în munca sa tehnici diferite, amestecând uneori genuri și tipuri de artă. De asemenea, a practicat sculptură și desen. A participat la picturile murale monumentale ale Bisericii Mântuitorului pe Sângele Vărsat din Sankt Petersburg.

Ideea de „artă pură” a dat naștere apariției revistei „World of Art”. Această revistă a devenit centrul vieții artistice în perioada prerevoluționară.

Artiștii care s-au unit în jurul „Lumii Artei” au încurajat studiul istoriei Rusiei, au trezit interesul pentru artiștii secolului al XVIII-lea și au dezvoltat activități muzeale. Ei au contribuit la dezvoltarea ilustrației (I. Ya. Bilibin (1876–1942), K. A. Somov (1869-1939)) și a artei decorative teatrale (L. S. Bakst (1866–1924), N. K. Roerich (1874–1947)

Starea de spirit revoluționară a influențat direct pictura și grafica. Artistul K. Yuon a descris revoluția la scară cosmică în lucrarea „New Planet”. Reflectarea realității revoluționare în ochii artiștilor poate fi observată în lucrările lui K. S. Petrov-Vodkin „Moartea unui comisar”, „1918 la Petrograd” și N. Kupriyanov „Mașini blindate”.

În 1922, a fost creată Asociația Artiștilor din Rusia Revoluționară. Unul dintre reprezentanții de seamă a fost Isaac Brodsky, care a creat lucrări „canonice”: „Lenin la Smolny” și „Discursul lui Lenin la Fabrica Putilov”.

„Despre Monumentele Republicii” – decretul lui Lenin din 1918, prin care se anunța planul de agitare a maselor cu ajutorul sculpturii monumentale dedicate figurilor revoluției și culturii (planul „Propagandei Monumentale”). Sculptorii în scurt timp au fost nevoiți să creeze o mulțime de lucrări din materiale ieftine și accesibile.

Tatlin creează în 1920 turnul Internaționalei a III-a, simbolizând arta nouă, aspirațiile revoluționare.

Ivan Shardr realizează o serie de sculpturi ale oamenilor de muncă socialistă: „Muncitor”, „Țăran”, „Armata Roșie”, precum și un monument al lui Gorki pentru Piața Gării Belorussky.

În anii 1920 au apărut lucrările lui V. Mukhina: proiectul „Munca eliberată”, „Femeia țărănească”, „Femeia muncitoare și fermă colectivă” - un grup sculptural care a adus faimă artistului.

Deschiderea expoziției agricole a întregii uniuni de la Moscova este un pas decisiv în dezvoltarea sculpturii în Uniunea Sovietică. S. T. Konenkov a participat și la decorarea sculpturală. În plus, a creat sculpturi, implementând planul „Propaganda monumentală”: basorelieful „Către cei căzuți în lupta pentru pace și Frăția Națiunilor”, „Stepan Razin”.

realism socialist

La Primul Congres al Scriitorilor Sovietici din 1934, au fost formulate regulile de bază ale unei noi metode de literatură și artă, realismul socialist. A fost un control ideologic dur și o propagandă menită să laude eroii muncii socialiste, revoluționarilor, muncitorilor, țăranilor. Intriga operei de artă trebuia să reflecte realitatea revoluționară, dorința pentru un viitor mai strălucitor și opiniile materialiste.

Tabloul lui B. Ioganson „Interogarea comuniștilor” transmite clar toate principiile realismului socialist: emoții semnificative, imagini solide și forme monumentale.

A. Deineka scrie lucrări pe teme de construire a noii arhitecturi, sport și aviație: „Viitorii piloți”, „La construirea de noi ateliere”, „În Donbass”. Lucrări la mozaicurile stației de metrou Mayakovskaya (Moscova).

Celebrul „Noua Moscova” de Y. Pimenov este un simbol al vieții noi, al bucuriei schimbării: reconstrucția Moscovei și rolul neobișnuit al unei femei.

Marele Război Patriotic

Marele Război Patriotic a influențat semnificativ dezvoltarea artei. Ca și în perioada revoluționară, principalul gen de artă plastică a fost afișul. La afișe au lucrat maeștrii din trecut, precum și tineri artiști care au devenit celebri pentru afișe cunoscute precum „Patria Mamă cheamă!”, „Pentru Patria Mamă!”, „Războinic al Armatei Roșii, Salvați!”.

Pentru a îmbunătăți calitatea educației în domeniul „Istoria artei”, au fost pregătite prezentări multimedia ale autorului, care au fost elaborate ținând cont de cerințele statului federal pentru preprofesionale suplimentare. program de educație generalăîn domeniul artelor plastice „Pictură”.Prezentările multimedia se desfășoară în conformitate cu secțiunile și temele planurilor de învățământ ale disciplinelor „Convorbiri despre artă” și „Istoria artelor plastice”.

Prezentările multimedia conțin rezumat Se indică material educațional cu ilustrațiile necesare și reproduceri ale operelor de artă, teme pentru elevi și se oferă o listă de referințe pe tema studiată. Prezentările sunt concepute pentru a fi redate pe un PC și realizate în programul Microsoft PowerPoint, se folosesc următoarele formate de fișiere - „.ppt”, „.pptx” și „.pdf”.

Prezentările postate pe site în domeniul public sunt prezentate în compresia maximă a fișierelor, reproducerile au o rezoluție minimă și sunt, de asemenea, închise pentru editare și tipărire. Materialele didactice achiziționate sunt prezentate fără compresia fișierelor , sunt complet deschise pentru editare, copiere și imprimare pe o imprimantă și sunt, de asemenea, furnizate cu rezoluția maximă a ilustrațiilor.

Creativitatea lui Vasily Grigorievich Perov

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 63 diapozitive

Conţinut: scurtă biografie artistul V.G. Perov; moștenitor și succesor al lui P.A. Fedotov; creativitatea lui V.G. Perov: ridiculizarea clerului, viețile oamenilor defavorizați, povești îmbucurătoare, portrete, povești istorice, literare și religioase.

„Revolta celor Paisprezece”. Creativitatea lui Ivan Nikolaevich Kramskoy

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Art. rusesc sfârşitul XIX-lea- începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 63 diapozitive

Conţinut: reforme în Academia Imperială de Arte; „Revolta celor Paisprezece”; „Artelul artiștilor”; scurtă biografie și creativitate a lui I.N. Kramskoy.
Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante. gospodărie și genul istoric Rătăcitori

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 71 diapozitive

Conţinut: Asociația Expozițiilor de Artă Itinerante; creativitatea Rătăcitorilor: G.G. Myasoedova, K.A. Savitsky, I.M. Pryanishnikov, V.M. Maksimova, V.E. Makovski, K.E. Makovsky, N.A. Yaroshenko, V.V. Pukireva, N.N. Ge, V.D. Polenov.
Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

Peisajul rătăcitorilor

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 80 diapozitive

Conţinut: peisajul Rătăcitorilor; lucrări ale pictorilor peisagişti: A.K. Savrasova, I.I. Shishkina, V.D. Polenova, F.A. Vasilyeva, I.I. Levitan, I.K. Aivazovsky, A.I. Kuindzhi.
Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

Creativitatea lui Ilya Efimovici Repin

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 102 diapozitive

Conţinut: scurtă biografie a artistului; I.E. Repin și cercul de artiști Abramtsevo;I.E. Repin și Asociația Rătăcitorilor; portrete, genuri cotidiene și istorice în opera lui I.E. Repin; activitatea didactică a I.E. Repin; I.E. Repin în Penates.
Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

Creativitatea lui Vasily Ivanovich Surikov

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 137 diapozitive

Conţinut: scurtă biografie a artistului; originile imaginilor artistice ale lui V.I. Surikov; picturi murale ale Catedralei lui Hristos Mântuitorul din Moscova; IN SI. Surikov și Asociația Rătăcitorilor; genul istoric și portretul în opera lui V.I. Surikov; călătoriile artistului V.I. Surikov.
Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

Creativitatea lui Viktor Mihailovici Vasnetsov

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 86 diapozitive

Conţinut: scurtă biografie a artistului; excursie V.M. Vasnețov la Paris; V.M. Vasnețov și Asociația Rătăcitorilor; gen casnic, portret, gen istoric și mitologic, pictură monumentală în V.M. Vasnetsov; artist de teatru și ilustrator.
Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

Arta de la începutul secolului

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 106 diapozitive

Conţinut: caracteristici istorice generale; stil modern; simbolism; decadenţă; pictura de gen în Rusia rândul lui XIX- secolele XX; asociații de artă din Rusia la cumpăna dintre secolele XIX - XX: „Cercul Abramtsevsky”, Talashkino, „Lumea artei”, „Uniunea Artiștilor Ruși”.
Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

Creativitatea K.A. Korovin și V.A. Serov

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 107 diapozitive

Conţinut: impresionismul rus; compararea lui K.A. Korovin și V.A. Serov; K.A. Korovin (scurtă biografie a artistului, teatrul în opera sa, „Studii nordice”, portrete și naturi moarte); V.A. Serov (o scurtă biografie a artistului, portret, peisaj, ilustrații și subiecte istorice în opera sa).
Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

Creativitatea lui Mihail Alexandrovici Vrubel

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 107 diapozitive

Conţinut: scurta biografie a artistului M.A. Vrubel, creativitatea perioadei Kiev, creativitatea perioadei Moscovei, arte și meșteșuguri în opera lui M.A. Vrubel, tablou „Realism de basm” de M.A. Vrubel, tema „Demonului”, ultimii ani ai vieții artistului.
Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

Opera lui Nicholas Roerich

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2017, 187 diapozitive

Conţinut: scurta biografie a artistului N.K. Roerich, activitățile științifice și sociale ale N.K. Roerich, metoda creativa, lucrari teatrale si decorative, pictura de N.K. Roerich (serie de picturi: „Începutul Rus’. Slavi”, „În vremurile de demult”, „Sancta”, „Țara lui”, „Standardele Orientului”, „Maitreya”, „Himalaya”, „Ciclul Bogatyr” ), mișcarea Roerich.

avangarda rusă

Manual pentru disciplina „Istoria artelor plastice”, clasa a IV-a
Secțiunea 11. Arta rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX.

Dezvoltator: E.M. Artemenko

Document Adobe Acrobat

2015-2018, 177 diapozitive

Conţinut: schimbări în artă la începutul secolului XX, modernismul în arta rusă, originile avangardei, principalele tendințe artistice ale avangardei ruse (primitivism, cubo-futurism, artă abstractă, raionism, suprematism, constructivism) , asociații de artă și expoziții majore ale avangardei ruse („Trandafir albastru”, „Uniunea Tineretului”, „Jack of Diamonds”, „Coada măgarului”, „Target”, „Ultima expoziție cubo-futuristică de pictură 0,10” ), artiști de avangardă ruși (K.S. Petrov-Vodkin, P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan, N. Pirosmani, M. F. Larionov, N. S. Goncharova, A. V. Lentulov, M. Z. Chagall, V. V. Kandinsky, K. S. Malevich) .

Teme pentru acasă; lista surselor și literaturii utilizate.

La începutul secolului s-a dezvoltat un stil care a afectat toate artele plastice, începând, în primul rând, cu arhitectura (în care eclectismul a dominat multă vreme) și terminând cu grafica, care a primit denumirea de stil. modern. Stilul modern este noua etapăîn sinteza arhitecturii, picturii, artelor decorative. Art Nouveau s-a manifestat în felul următor: în sculptură - fluiditatea formelor, expresivitatea deosebită a siluetei, dinamismul compozițiilor; în pictură - simbolismul imaginilor, dependența de alegorii.

Apariția Art Nouveau nu a însemnat că ideile de rătăcire au murit până la sfârșitul secolului. În anii 1990, pictura de gen s-a dezvoltat, dar s-a dezvoltat oarecum diferit decât în ​​mișcarea „clasică” din anii 1970 și 1980. Unul dintre cei mai mari artiști, un inovator al picturii rusești la începutul secolului a fost Valentin Aleksandrovici Serov (1865–1911).. Serov scrie adesea reprezentanți ai intelectualității artistice: scriitori, artiști, artiști. Dar o temă specială în opera lui Serov este țăranul. În genul său țărănesc nu există o claritate socială itinerantă, dar există un sentiment al frumuseții și armoniei vieții țărănești, admirație pentru frumusețea sănătoasă a poporului rus.

mod creativ Mihail Alexandrovici Vrubel (1856–1910) a fost mai directă, deși și extraordinar de complexă. În anii 90, când artistul s-a stabilit la Moscova, stilul de scris al lui Vrubel plin de mister și putere aproape demonică a prins contur. Combinațiile de culori nu reflectă realitatea relațiilor de culoare, dar au sens simbolic. Cu Vrubel intrăm într-un nou secol, epoca „Epocii de Argint”, ultima perioadă a culturii din Sankt Petersburg Rusia

Viktor Elpidiforovici Borisov-Musatov (1870–1905)- un exponent direct al simbolismului pictural și una dintre primele retrospective în artele plastice ale Rusiei de frontieră. Lucrările sale sunt o tristețe elegiacă pentru vechile „cuiburi nobiliare” goale și „livezi de cireși” pe moarte. femei frumoase, spiritualizat, aproape nepământesc, îmbrăcat într-un fel de costume atemporale care nu poartă semne exterioare ale locului și timpului.Dorul de vremuri apuse l-a făcut pe Borisov-Musatov să se leagă de artiștii din „Lumea artei”- o organizație care a luat naștere la Sankt Petersburg în 1898 și a unit maeștrii celei mai înalte culturi artistice, elita artistică a Rusiei acelor ani. De mare importanță pentru formarea acestei asociații a fost personalitatea lui Diaghilev, patron și organizator de expoziții, iar mai târziu - impresarul turneelor ​​de balet și operă rusești în străinătate. Când ultima, a cincea expoziție a World of Art s-a închis în martie 1903, ultimul număr al revistei World of Art a apărut în decembrie 1904, majoritatea artiștilor s-au mutat la Uniunea Artiștilor Ruși organizată pe baza expoziției de la Moscova. din 36 . În 1910, s-a încercat să revină „Lumea Artei” (condusă de Roerich).

În 1903, după cum am menționat deja, a apărut una dintre cele mai mari asociații expoziționale de la începutul secolului - Uniunea Artiștilor Ruși. Expozanții „Unirii” au fost artiști de diferite viziuni asupra lumii: S. Ivanov, M. Nesterov, A. Arkhipov, frații Korovin, L. Pasternak. Afacerile organizatorice au fost în sarcina lui A.M. Vasnetsov, S.A. Vinogradov, V.V. Lianti. Stâlpii mișcării V.M. Membrii săi erau Vasnețov, Surikov, Polenov. K. Korovin era considerat liderul „Unirii”.

În 1910, un număr de tineri artiști - P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, M. Larionov, N. Goncharova și alții - s-au unit în organizația „Jack of Diamonds”, care a avut propria carte, a organizat expoziții și a publicat propriile colecții de articole. „Jack of Diamonds” a existat de fapt până în 1917. Deoarece post-impresionismul, în primul rând Cezanne, a fost o „reacție la impresionism”, astfel „Jack of Diamonds” s-a opus vagului, intraductibilității, celor mai subtile nuanțe ale limbajului simbolic al „ Trandafirul albastru” și stilismul estetic „Lumea artei.

Simplificarea extremă a formei, legătura directă cu arta semnalizării se remarcă mai ales în M.F. Larionov (1881–1964), unul dintre fondatorii „Jack of Diamonds”, dar deja în 1911 s-a despărțit de el și a organizat noi expoziții: „Coada măgarului” și „Target”. Tema lui este viața unei străzi de provincie, cazărmi de soldați. În 1913, Larionov și-a publicat cartea „Luchism” - de fapt, primul dintre manifestele artei abstracte, adevărații creatori în Rusia au fost V. Kandinsky și K. Malevich. M.Z. Chagall (1887–1985) a creat fantezii transformate din impresiile plictisitoare ale vieții unui oraș mic din Vitebsk și interpretate într-un spirit naiv-poetic și grotesc-simbolic.

Arta anilor pre-revoluționari din Rusia este marcată de complexitatea neobișnuită și inconsecvența căutărilor artistice, de unde grupările succesive cu propriile setări de program și simpatii stilistice. Dar, alături de experimentatorii din domeniul formelor abstracte în arta rusă din acea vreme, „Lumea Artei” și „Goluboroziții”, „aliați”, „copii de diamante” au continuat să lucreze în același timp, a existat și un flux puternic de curente neoclasice, un exemplu al căruia poate fi opera unui membru activ al „artei Mir” în „a doua generație” a acesteia. Z.E. Serebryakova (1884–1967).În sfârșit, o dovadă strălucitoare a vitalității tradițiilor naționale, cele mari pictura rusă veche este creativitatea Kuzma Sergheevici Petrov-Vodkin (1878–1939), un artist-gânditor care a devenit ulterior un cunoscut maestru al artei din perioada sovietică.

Epoca capitalismului industrial foarte dezvoltat a provocat schimbări semnificative în arhitectură, mai ales în arhitectura orașului. Există noi tipuri de structuri arhitecturale: fabrici și uzine, gări, magazine, bănci; odata cu aparitia cinematografiei – cinematografe. Revoluția a fost făcută de noi Materiale de construcție: beton armat si constructii metalice, care a făcut posibilă blocarea spațiilor gigantice, realizarea de vitrine uriașe și crearea unui model bizar de legături.

În ultimul deceniu al secolului al XIX-lea, arhitecților le-a devenit clar că, folosind stilurile istorice din trecut, arhitectura ajunsese într-o fundătură; ceea ce era nevoie, conform cercetătorilor, nu era o „rearanjare” a stilurilor istorice, ci o înțelegere creativă a noului care se acumula în mediul unui oraș capitalist în creștere rapidă. Ultimii ani ai secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. - acesta este timpul dominației modernității în Rusia, un exemplu izbitor al căruia în Rusia a fost creativitatea F.O. Shekhtel(1859–1926). Case profitabile, conace, clădiri ale companiilor comerciale și gări - în toate genurile rămase F.O. Scrisul lui Shekhtel. În Art Nouveau se poate urmări o anumită evoluție, două etape de dezvoltare: prima este decorativă, cu pasiune pentru ornament, sculptură decorativă și pictură (ceramică, mozaicuri, vitralii), a doua este mai constructivă, raționalistă.

Mihail Vrubel

Vrubel Mikhail Alexandrovich (1856–1910), artist rus, cel mai mare reprezentant al simbolismului și modernității în artele plastice rusești. Născut la Omsk la 5 martie (17), 1856. Vrubel a studiat la Academia de Arte din Sankt Petersburg (1880–1884) sub Pavel Petrovici Chistyakov; Am luat lecții de acuarelă de la Ilya Efimovici Repin. Vrubel a fost influențat în special de pictura Renașterii venețiane. Invitat să restaureze Biserica Sf. Chiril (sec. XII), Vrubel a fost nevoit, într-o serie de cazuri, să interpreteze noi compoziții (în special, Pogorârea Duhului Sfânt, 1884); în același timp, artistul a pictat și icoana „Fecioara cu Pruncul” (Muzeul de Artă Rusă din Kiev). Splendoarea încântătoare a colorării lui Vrubel s-a manifestat pe deplin în tabloul „Fata pe fundalul unui covor persan” (1886, ibid.). După ce s-a mutat la Moscova, Vrubel devine unul dintre cei mai activi membri ai grupului artistic al lui Savva Mamontov. Aici pictorul pictează o serie dintre cele mai bune picturi ale sale, lucrează în majolică - sculpturi Țarul Berendey, Lel, Volkhov - toate în Galeria Tretiakov, Moscova, referindu-se la design, realizează schițe ale unei sobe ceramice, vaze, bănci (Muzeul din Abramtsevo) . „Stilul rusesc” al acestor lucruri își găsește expresie în scenografia sa asociată cu Opera privată rusă din Moscova a lui Savva Ivanovich Mamontov, inclusiv designul lui Sadko (1897) și Povestea țarului Saltan (1900) de Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov. Talentul lui Vrubel ca decorator este evident și în panoul său imens „Visul prințesei”, comandat pentru Târgul de la Nijni Novgorod (1896, Galeria Tretiakov).

Demonul, 1890, Zborul lui Faust și Mefistofel, 1896, Prințesa lebădă, 1900, Serafim cu șase aripi Azrael, Pan 189

Atmosfera de basm, caracteristică tablourilor „Pan” (1899), „Prițesa lebădă”, „By Night”, „Liliac” (toate 1900), tragedia culminează cu acele imagini Vrubel care se întorc la ilustrațiile sale. pentru poezia lui Lermontov „Demon” (acuarelă, văruire, 1890-1891, Galeria Tretiakov și Muzeul Rus, Sankt Petersburg), - în picturile „Demon” (1890) și „Demon învins” (1902; ambele lucrări - Galeria Tretiakov) ).

În 1902, Vrubel a fost lovit de o boală mintală gravă, dar chiar și în perioada sa ulterioară (desfășurată în principal în clinici private din Moscova și St. lucrări de tranziție de la modern la avangardă. În 1906, artistul a orbit. Vrubel a murit la Sankt Petersburg la 1 (14) aprilie 1910. Influența artei sale a fost universală: într-un fel sau altul, aproape toți marii maeștri ai artei ruse ai secolului al XX-lea au experimentat-o.

42 „Lumea artei” - un fenomen semnificativ în viața artistică rusă de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX, care a jucat un rol important în dezvoltarea nu numai a artelor plastice din Rusia, ci și a teatrului, muzicii, arhitecturii și artelor aplicate.

Leagănul „Lumii Artei” a fost un cerc al intelectualității din Sankt Petersburg, care a apărut în anii 1890. Printre aceștia s-au numărat și artiștii A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. Până la sfârșitul acestui deceniu, „Lumea Artei” a luat contur ca o asociație ideologică și artistică. V. A. Serov a luat parte la ea, sprijinindu-l cu autoritatea sa. Nucleul grupului tânăr a fost completat de E. E. Lansere și M. V. Dobuzhinsky. S. P. Diaghilev, devotat intereselor artei, a jucat un important rol organizatoric. Din 1899 până în 1904, figurile „Lumii Artei” au publicat o revistă literară și artistică. Cu toate acestea, el nu a fost unit în direcția sa. Secția sa artistică, condusă de maeștri remarcabili ai artelor plastice, se deosebea puternic de departamentul literar-filosofic, care era de natură simbolistă-religioasă.

Scopul principal al Lumii Artei a fost reînnoirea artei ruse, îmbunătățirea culturii sale artistice, măiestria, familiarizarea largă cu tradițiile moștenirii străine și interne. Miriskusniki a organizat expoziții extinse de artă autohtonă și străină și a fost inițiatorii multor eforturi artistice. Apoi s-au declarat oponenți atât a academicismului de rutină, cât și a vieții meschine de zi cu zi a răposaților Wanderers.

În practica lor creativă, Lumea Artelor a pornit de la observații specifice vieții, înfățișând natura și omul contemporan. ÎN primii aniîn viața asociației, Lumea Artelor a adus un omagiu individualismului. Mai târziu, în deceniul pre-revoluționar, ei și-au revizuit în mare măsură pozițiile estetice, recunoscând individualismul ca fiind dăunător artei. În această perioadă, modernismul a devenit principalul lor adversar ideologic.

În două tipuri de artă, artiștii „Lumii Artei” au obținut un succes deosebit de semnificativ: în arta teatrală și decorativă, care le-a întruchipat visul de armonie a artelor, de sinteză a acestora și în grafică.

Grafica a atras lumea artelor ca una dintre formele de artă de masă, ei au fost, de asemenea, impresionați de formele sale de cameră, comune în acei ani în multe forme de artă. În plus, grafica necesară atentie speciala, întrucât era mult mai puțin dezvoltată decât pictura. În cele din urmă, dezvoltarea graficii a fost facilitată și de realizările în tipărirea internă.

Peisajele din vechiul Sankt Petersburg și suburbiile sale, a căror frumusețe au cântat artiștii, precum și un portret, care în munca lor a ocupat în esență un loc egal cu pitorescul, au devenit o particularitate a graficii de șevalet din lumea artei. Contribuție uriașă A.P.Ostroumova-Lebedeva a contribuit la grafica începutului secolului XX; în munca ei, gravura în lemn este stabilită ca formă de artă independentă. Lucrarea romantică a lui V. D. Falileev, care a dezvoltat arta gravării pe linoleum, a fost deosebită. Cel mai semnificativ fenomen din domeniul gravurii a fost opera lui V. A. Serov. S-au distins prin simplitate, rigoare a formei și excelentă măiestrie a desenului. De asemenea, Serov a avansat în dezvoltarea litografiei, creând o serie de portrete remarcabile în această tehnică, remarcate prin expresivitate cu o economie uimitoare a mijloacelor artistice.

Maeștrii Lumii Artei au obținut un mare succes în domeniul ilustrației de carte, în creștere nivel inalt cultura artistică a cărții. Deosebit de semnificativ în această privință este rolul lui A. N. Benois, E. E. Lansere și M. V. Dobuzhinsky. I. Ya. Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin și alții au lucrat fructuos în grafica cărților.

Cele mai bune realizări ale artei grafice la începutul secolului și, în primul rând, ale lumii artei, conțineau premisele pentru dezvoltarea largă a artei grafice sovietice.

avangarda rusă

Primul pas timid către arta avangardă a fost făcut în 1907 de către artiști Asociația „Trandafir albastru”- P. Kuznetsov, N. apunov, S. Sudeikin, M. Saryan, A. Fonvizin, N. Krymov. Stilul „Goluboroziților”, rafinat, poetic, strâns asociat cu estetica simbolismului, a fost creat cu accent pe neoprimitivism, care a influențat parțial dezvoltarea operei unor astfel de „titani” ai avangardei ruse precum M. Larionov, N. Goncharova sau K. Malevich.

Noua artă s-a anunțat pentru prima dată cu voce tare în 1910 la expoziția Jack of Diamonds organizată la inițiativa lui Mihail Larionov. La ea au participat maeștri originali și foarte diferiți - Ilya Mashkov (1), Natalya Goncharova (2), Aristarkh Lentulov (3), Robert Falk și mulți alții. Ceea ce i-a unit pe toți a fost starea de spirit a unei „acțiuni picturale în piață”, dorința de a transmite atmosfera unui stand, un spectacol de târg.

Stilul pictural al „jack of diamonds” a fost caracterizat printr-un amestec bizar de postimpresionism francez cu tradiții de pictură cu icoane pur rusești și tehnici de artă populară (lubok, tăvi de pictură și jucării, semne pentru magazine). Expoziția a fost un adevărat șoc pentru moscoviții respectabili și chiar pentru criticii de artă, care au văzut deja o mulțime de lucruri. Cu toate acestea, organizatorii săi ar fi supărați dacă efectul ar fi diferit. La urma urmei, însăși alegerea numelui expoziției a devenit destul de șocantă: în jargonul străzii, „jack of diamonds” însemna „escrocător”, „necinstit”, „persoană necinstită”.

Din păcate (sau din fericire pentru dezvoltarea ulterioară a avangardei), deja în 1912 au început diferențe creative între participanții la asociație. Larionov și Goncharova s-au separat de nucleul principal, în timp ce restul a anunțat crearea unui grup oficial sub numele „Jack of Diamonds”.În munca lor, Jack of Diamonds s-a bazat pe descoperirile lui Paul Cezanne, în special în domeniul culorii și al spațiului, așa că natura moartă și peisajul au devenit genurile lor preferate.

Larionov și Goncharova nu au fost de acord cu o astfel de pasiune pentru arta franceză, crezând că foștii lor oameni cu gânduri similare prețuiesc prea mult maeștrii occidentali și acordă prea puțină atenție tradițiilor naționale. În 1912 au pus în scenă o expoziție numită „Coada măgarului”- ca o aluzie la situația apărută în Salon des Indépendants, unde au încercat să treacă o pânză pictată cu coadă de măgar drept o capodopera a artei avangardiste. Larionov și Goncharova nu au abandonat complet utilizarea tehnicilor de pictură ale maeștrilor europeni, ci le-au combinat cu realizările picturii populare rusești și picturii icoanelor (4). O tendință picturală integrală nu a apărut din expoziție, dar s-a dovedit a fi foarte semnificativă pentru dezvoltarea ulterioară a avangardei ruse. Intr-un an au aranjat o altă expoziție, „Target”, la care au participat artiști futuriști din Sankt Petersburg. În același loc, Larionov și-a demonstrat primele lucrări „radiante” neobiective.

Nici viața artistică din Sankt Petersburg nu a stat pe loc. În 1910, aici a luat naștere o asociație de creație „Uniunea Tineretului”, care nu a avut un program special și a unit reprezentanți ai diferitelor mișcări artistice (O. Rozanova, I. Klyun (6), N. Altman, A. Exter, N. Udaltsova, M. Chagall). Spre deosebire de moscoviți, petersburgezii au fost mai mult influențați de cubiști și futuristii italieni, iar versiunea rusă a futurismului s-a dovedit a fi mult mai bogată și mai interesantă decât propuneau Marinetti și adepții săi. Combinând principiile acestor două zone, și-au creat propriul stil pe baza lor - cubo-futurism. Lucrarea principală a fost efectuată în perioada 1911–1915. Lucrarea Olga Rozanova este deosebit de originală, ea caută modalități de abstractizare în paralel cu Kandinsky și Malevich.

Supremus - înseamnă „suprem, excelent”. Termenul inventat de Malevici pentru noua tendință picturală trebuia să însemne superioritatea noii picturi asupra a tot ceea ce a fost înaintea ei, victoria culorilor pure, eliberate de lumea lucrurilor.

În primii ani după revoluția din octombrieîn țară au luat naștere multe universități și ateliere de artă, în activitățile cărora maeștrii avangardişti au avut cea mai înflăcărată parte. Principalele instituții de învățământ au fost INHUK (Institutul de Cultură Artistică) și VKHUTEMAS (Atelierele superioare artistice și tehnice), unde au predat personalitățile de vârf ale avangardei - Popova, Exter, Rodcenko, Malevici, Tatlin, Filonov.

Opera lui Filonov se deosebește în caleidoscopul pestriț al stilurilor și fenomenelor din primul deceniu al secolului al XX-lea. Are onoarea de a crea o direcție anume numită „artă analitică” (8).În martie 1914, a început să adune în jurul său un grup de oameni asemănători care au emis un manifest „Atelier intim de pictori și desenatori.

Unitatea puterii și a artei nu era destinată să dureze mult. Deja în anii 1920, a început o „strângere treptată a șuruburilor”. Din ce în ce mai mult, artiștii de avangardă au fost acuzați că sunt izolați de oameni, reproșați complexitatea excesivă și abstruzitatea.

Până în 1932, non-medicalismul a fost forțat să iasă din atelierele de artă, iar doctrina „realismului socialist” a fost în cele din urmă stabilită în artă.

Vasili Kandinsky

Wassily Kandinsky (1866-1944), artist, teoretician și poet rus și german, unul dintre liderii avangardei din prima jumătate a secolului XX; a devenit unul dintre fondatorii artei abstracte. Născut la Moscova la 22 noiembrie (4 decembrie), 1866. Chiar și în anii de gimnaziu, a început să se implice activ în muzică și pictură. Din 1885 Kandinsky a studiat dreptul la Universitatea din Moscova, dar mai târziu a decis să se dedice artei. Din 1897 a locuit la München, unde a studiat la Academia locală de Arte sub conducerea lui Franz von Stuck. A călătorit mult în Europa și Africa de Nord(1903–1907), (tablouri „Viața colorată”, „Doamnele în crinoline” și altele). În 1910, Kandinsky a creat primele improvizații picturale abstracte și a finalizat tratatul Despre spiritualul în artă (cartea a fost publicată în 1911 în limba germană).

Viața pestriță, Moscova 1

În 1914, Wassily Kandinsky s-a întors în Rusia, unde a locuit în principal la Moscova. ("Moscova. Piața Roșie", 1916, Galeria Tretiakov; "Troubled", ibid; "Twilight", Muzeul Rus; "Grey Oval", Galeria de Artă, Ekaterinburg; toate lucrările - 1917). În 1918, Wassily Kandinsky și-a publicat cartea autobiografică Steps. Cu toate acestea, neacceptand ideologia comunistă, a părăsit Rusia pentru totdeauna în 1921. A trăit în Germania. („În Piața Neagră”, 1923; „Mai multe cercuri”, 1926; ambele tablouri se află la Muzeul S. Guggenheim, New York). În 1924, împreună cu Yavlensky, L. Feininger și P. Klee, maestrul a format o asociație „Patru albastru” organizarea de expoziţii comune cu aceştia. Odată cu începutul ocupației germane (1939), s-a întors la Paris, unde a continuat să lucreze activ, inclusiv la proiectul unui film de balet de comedie, pe care intenționa să-l creeze împreună cu compozitorul Hartmann.Kandinsky a murit la Neuilly-sur. -Seine la 13 decembrie 1944.

Pavel Filonov

s-a născut la Moscova. Rămas devreme orfan, s-a mutat la Sankt Petersburg, unde a luat lecții de pictură. Din 1908 Pavel Filonov a studiat la Academia de Arte, de unde a fost expulzat în 1910. În 1911 a contactat Uniunea Tineretului și a participat la expozițiile acestora. ÎN anul urmator a călătorit în Italia și Franța.

Primele lucrări semnificative ale lui Filonov, scrise de obicei în media mixtă pe hârtie (Bărbatul și Femeia, Sărbătoarea Regilor, Est și Vest, Vest și Est; toate lucrările - 1912–1913, Muzeul Rus, Sankt Petersburg), se învecinează strâns cu simbolismul și modernitate.În 1913 a proiectat decor pe scena pentru tragedia lui Vladimir Mayakovsky „Vladimir Mayakovsky” În 1919. picturile artistului au fost expuse la prima expoziție de stat gratuită de artă muncitorească din Petrograd.

În 1923 Pavel Filonov devine profesor la Academia de Arte și membru al Institutului de Cultură Artistică (INKhUK). În aceiași ani, „Declarația de creștere excesivă a lumii” a lui Pavel Filonov a fost publicată în revista „Viața artei”. Doi ani mai târziu, Pavel Filonov a adunat o echipă de maeștri ai picturii analitice (cunoscută acum ca Școala Filonov). Datorită criticilor ascuțite și a atacurilor la adresa lui Filonov, expoziția sa, planificată pentru anii 1929-1930. nu a avut loc la Muzeul Rus. În 1932 Viața și opera sa nu au fost întrerupte de război. A murit de pneumonie în timpul asediului Leningradului în 1941. În 1967 La Novosibirsk a avut loc o expoziție postumă a lucrărilor lui Pavv Filonov.

Casă mică în Moscova

Malevici Kazimir (1878(?) - 1935)- artist, unul dintre fondatori. geometru. abstr. art., tatăl belarus.- Artist bielorus și rus, unul dintre fondatorii artei abstracte geometrice .. Kazimir Malevich s-a născut la 23 februarie 1878 sau 1879 la Kiev. Conform credinței populare, data nașterii lui K. Malevich este 1878, cu toate acestea, conform unui studiu al autorului de la Kiev D. Gorbaciov, înregistrările de arhivă ale metricilor găsite în 2004 indică faptul că data nașterii lui K. Malevich este 1879.

Părinții lui Malevici erau polonezi de origine. Tatăl meu a lucrat ca manager la fabrica de zahăr a faimosului industriaș ucrainean Tereșcenko. Potrivit altor surse, tatăl lui Malevich a fost etnograful și folcloristul belarus Severin Antonovich Malevich (1845-1902). Maica Ludwig Alexandrovna (1858-1942) a fost casnică. Cuplul Malevich a avut paisprezece copii, dar doar nouă dintre ei au trăit să vadă varsta mijlocie. Cazimir a fost primul născut. A început să învețe să deseneze singur, după ce mama lui i-a dat un set de vopsele la vârsta de 15 ani. La vârsta de 17 ani, a petrecut ceva timp la Școala de Artă din Kiev a lui N. I. Murashko. În 1896, familia Malevich s-a stabilit la Kursk. Acolo, Kazimir a lucrat ca funcționar minor, dar a părăsit serviciul de dragul unei cariere ca artist. Primele lucrări ale lui Malevici au fost scrise în stilul impresionismului. Mai târziu, Malevich a devenit unul dintre participanții activi la expozițiile futuriste. În 1913 a proiectat opera futuristă Victory over the Sun.

În 1919-1922, Kazimir Malevich a predat la Școala de Artă a Poporului „noul model revoluționar” din Vitebsk. În anii 1920, a participat la proiectarea spectacolelor lui V. V. Mayakovsky „Mystery-Buff”.

Din 1923 până în 1927 - director al Institutului de Stat de Cultură Artistică din Leningrad. A fost membru al „Asociației Arhitecților Moderni” (OSA). În 1930, lucrările artistului au fost expuse la expoziții la Berlin și Viena. În toamna anului 1930, Malevici a fost arestat de NKVD ca „spion german”. A stat în închisoare până în decembrie 1930. În arest de mulți ani în URSS au fost picturile sale.

Malevici a fost un propagandist consecvent al propriei sale teorii. De-a lungul timpului, în jurul lui s-a format un grup de oameni cu gânduri asemănătoare UNOVIS (Afirmatorii Noii Arte). Creațiile artiștilor de avangardă ruși de la începutul secolului au aruncat în aer conștiința vizuală pro-occidentală învechită.

A fost membru al grupului Donkey Tail de tineri artiști.

Cel mai cunoscut tablou al lui Malevici este Black Square (1915), care a fost un fel de manifest pictural al suprematismului. Adăugarea mistică a imaginii este „Cercul Negru” și „Crucea Neagră”. Conform testamentului său, după moartea sa, trupul lui Malevich a fost incinerat într-un sicriu suprematist, iar apoi urna a fost îngropată sub stejarul preferat al artistului, lângă satul Nemchinovka. Deasupra mormântului se afla un monument cubic din beton, înfățișat cu un pătrat negru. În timpul războiului, mormântul a fost pierdut. În prezent, locația sa a fost stabilită de entuziaști cu suficientă acuratețe. Mormântul este situat lângă Sovetsky Prospekt în Nemchinovka, la est de iaz. Un mic monument a fost ridicat la locul mormântului.

1. Arta Rusiei la sfârșitul secolului XX. Ultimul deceniu al secolului XX în Rusia a fost plin de evenimente politice și economice care au schimbat radical situația din țară. Prăbușirea Uniunii în 1991 și o schimbare a cursului politic, o tranziție la relațiile de piață și o orientare clară către modelul occidental dezvoltare economicăÎn cele din urmă, slăbirea, până la desființarea completă, a controlului ideologic - toate acestea la începutul anilor 90 au contribuit la faptul că mediul cultural a început să se schimbe rapid. Liberalizarea și democratizarea țării au contribuit la dezvoltarea și stabilirea de noi tendințe și direcții în arta națională. Evoluția artei în anii 1990 în Rusia are loc odată cu apariția unor tendințe inerente postmodernismului, odată cu apariția unei noi generații de tineri artiști care lucrează în domenii precum, conceptualism, grafică computerizată, neoclasicism legate de dezvoltarea tehnologiei informatice în Rusia. Originar din eclectismul clasic, „Noul neoclasicism rus” a devenit un „diamant cu mai multe fațete”, combinând diverse tendințe care nu aparțineau „clasicilor” înainte de epoca modernismului. Neoclasicismul- aceasta este o direcție în artă în care artiștii reînvie tradițiile clasice de pictură, grafică, sculptură, dar în același timp folosesc activ cele mai noi tehnologii. istoric britanic și teoretician al artei Edward Lucy Smith a numit neoclasicismul rus „primul fenomen izbitor al culturii ruse care a influențat procesul artistic mondial după Kazimir Malevich”. Neoclasicismul a cerut o atitudine diferită față de antichitate decât cea a clasiciștilor. Viziunea istorică asupra culturii grecești a făcut ca operele antice să nu fie un ideal istoric absolut, ci un ideal istoric concret, prin urmare, imitația grecilor a căpătat un alt sens: în percepția artei antice, nu normativitatea ei a ieșit în prim-plan, ci libertatea. , condiționalitatea regulilor care aveau să devină ulterior canon, viata reala oameni. D.V. Sarabyanov găsește în neoclasicism un fel de „complicație” a modernității. Cu aceeași probabilitate, neoclasicismul poate fi considerat atât modern târziu, cât și o tendință independentă. În opera „noilor artiști” nu există modernitate pură sau un neoclasicism separat, aceștia acționând întotdeauna interconectat, artiștii noii academii au combinat simultan mai multe tendințe în artele vizuale: avangardă, postmodernism, clasicism în „ spațiu de colaj”. Lucrările „noilor artiști” sunt eclectice, combinând grafica computerizată, gravura, pictura și fotografia. Artiștii au digitizat lucrările finite, au selectat fragmentele necesare și au creat colaje, restaurând cu măiestrie costumele și decorul antichității. Combinația dintre metodele tradiționale cu capacitățile programelor de grafică pe computer a extins potențialul creativ al artiștilor. Din materialul scanat au fost asamblate colaje, li s-au aplicat efecte artistice speciale, s-au deformat, creând compoziții iluzorii. Cei mai importanți reprezentanți ai neoclasicismului din Sankt Petersburg de la începutul anilor 1990 au fost O. Toberluts, E. Andreeva, A. Khlobystin, O. Turkina, A. Borovsky, I. Chechot, A. Nebolsin, E. Sheff. Neoclasicismul Toberluts este una dintre manifestările romantismului. Lucrările ei întruchipează sentimentele unei persoane, vise, noblețe, ceva entuziast și transformat într-un ideal irealizabil. . Artista însăși devine eroina lucrărilor sale. Stilistic, opera lui O. Toberluts poate fi definită ca neoclasicism, trecut prin conștiința postmodernă, ca o lume eclectică, care înfățișează temple antice, interioare renascentiste, mori de vânt olandeze și costume de la designerul K. Goncharov ca o notă de modernitate. Posibilitățile nelimitate ale graficii pe computer fac ca lucrările lui O.Tobreluts să fie fantastice și supranaturale. Cu ajutorul tehnologiei informatice E.Sheff se întoarce în Grecia antică, apoi în Roma antică, creând imagini ale mitologiei antice în colajele sale. În serie „Miturile lui Ludwig” artistul a folosit fotografii cu sculpturi grecești, structuri arhitecturale, suprapunând asupra acestora efectele antichității. Cu ajutorul tehnologiei computerizate, artistul restabilește originalitatea Colosseumului, efectuând excursii interesante în jurul lui. Pictura digitala Shutov reprezintă echivalentul emoțional al numeroaselor sale hobby-uri. Conține atât clasici greci, cât și ecouri ale cercetării etnografice, precum și elemente ale subculturii tineretului.Astfel, se poate observa că sfârșitul secolului al XX-lea a fost Punct de cotitură nu numai în viața politică și economică a Rusiei, ci și în artă. În anii 1990, a fost fondată o tendință puternică în artele vizuale „noul neoclasicism rusesc”. Dezvoltarea tehnologiilor informatice în Rusia a extins potențialul creativ al artiștilor, noii artiști, folosind noile tehnologii, au creat lucrări clasice. Principalul lucru nu este tehnica și tehnologia, ci estetica. Arta modernă poate fi și clasică. 2. Arta Rusiei la începutul secolului XXI. O caracteristică a artelor plastice la cumpăna dintre secolele XX - XXI este că a devenit liberă de opresiunea cenzurii, de influența statului, dar nu de o economie de piață. Dacă în ora sovietică artiștilor profesioniști li s-a oferit un pachet de garanții sociale, picturile lor au fost achiziționate în expoziții și galerii naționale, acum se pot baza doar pe propriile forțe. Dar pictura rusă nu a murit și s-a transformat într-o aparență de artă vest-europeană și americană, ea continuă să se dezvolte pe baza tradițiilor rusești. Arta contemporană este expusă de galerii de artă contemporană, colecționari privați, corporații comerciale, organizații de artă de stat, muzee de artă contemporană, studiouri de artă sau de artiștii înșiși în spațiul condus de artiști. Artiștii contemporani primesc sprijin financiar prin granturi, premii și premii și primesc, de asemenea, fonduri din vânzarea lucrărilor lor. Practica rusă este oarecum diferită în această privință de practica occidentală. Muzeele, bienalele, festivalurile și târgurile de artă contemporană devin treptat instrumente pentru atragerea de capital, investiții în afaceri de călătorie sau parte a politicii publice. Colectionarii privati ​​ofera influență mare la întregul sistem al artei moderne. În Rusia, una dintre cele mai mari colecții de artă contemporană este deținută de Muzeul non-statal de Artă Contemporană Erarta din Sankt Petersburg. Tendințe în arta contemporană: Artă nespectaculoasă- o tendință în arta contemporană care respinge spectacolul și teatralitatea. Un exemplu de astfel de artă este reprezentația artistului polonez Pavel Althamer „Script Outline”, la expoziția „Manifesta” din 2000. În Rusia, a oferit propria sa versiune a artei nespectaculoase Anatoly Osmolovsky.Artă stradală(Engleză) arta stradala- artă stradală) - artă plastică, a cărei trăsătură distinctivă este un stil urban pronunțat. Partea principală a artei stradale este graffiti (altfel arta spray), dar nu se poate considera că arta stradală este graffiti. Arta stradală include și afișe (necomerciale), șabloane, diverse instalații sculpturale etc. În arta stradală, fiecare detaliu, fleac, umbră, culoare, linie este important. Artistul își creează propriul logo stilizat - un „semn unic” și îl înfățișează pe părți ale peisajului urban. Cel mai important lucru în arta stradală nu este să se însuşească un teritoriu, ci să implice privitorul într-un dialog și să arate un alt program intriga. Ultimul deceniu marchează diversitatea direcțiilor pe care le alege arta stradală. Admirând generația mai în vârstă, tinerii scriitori sunt conștienți de importanța dezvoltării propriului stil. În acest fel, apar noi ramuri, prevăzând un viitor bogat pentru mișcare. Noile forme diverse de artă stradală depășesc uneori ca amploare tot ceea ce a fost creat înainte. aerografie - una dintre tehnicile de pictură ale artelor plastice, folosind un aerograf ca instrument pentru aplicarea vopselei lichide sau pulbere folosind aer comprimat pe orice suprafață. Se poate folosi și o vopsea spray. Datorită utilizării pe scară largă a aerografului și a aspectului un numar mare diverse vopsele și compoziții, aerografia a primit un nou impuls pentru dezvoltare. Acum aerografia este folosită pentru a crea picturi, retușuri foto, taxidermie, modelaj, pictură textilă, pictură pe pereți, artă corporală, pictură pe unghii, pictură suveniruri și jucării, pictură de vase. Este adesea folosit pentru desenarea imaginilor pe mașini, motociclete, alte echipamente, în imprimare, în design, etc. Datorită stratului subțire de vopsea și a capacității de a-l pulveriza fără probleme pe suprafață, este posibil să se obțină efecte decorative excelente, cum ar fi tranziții netede de culoare, tridimensionalitate, realism fotografic al imaginii rezultate, imitarea unei texturi aspre cu o netezime ideală a suprafeței.

Subiecte și întrebări ale seminariilor;

Subiectul 1. Concepte de bază de istoria artei și istoria artei.

Întrebări:

1. Problema clasificării artelor.

2. Conceptul de „operă de artă”. Apariția și sarcina unei opere de artă. Opera si arta.

3. Esența, scopurile, sarcinile artei.

4.Funcțiile și sensul art.

5. Conceptul de „stil”. Stilul artistic și timpul său.

6. Clasificarea art.

7. Istoria apariţiei şi formării istoriei artei.

Probleme de discutat:

1. Există 5 definiții ale art. Ce este caracteristic pentru fiecare dintre ele? Ce definiție urmați? Poți să-ți formulezi definiția artei?

2. Care este scopul artei?

3. Cum poți defini o operă de artă? Cum coexistă „operă de artă” și „operă de artă”? Explicați procesul apariției unei opere de artă (după I. Zece). Care este sarcina unei opere de artă (după P.P. Gnedich)?

4. Enumerați cele 4 funcții principale ale artei (după I.P. Nikitina) și patru

posibilă înțelegere a sensului art.

5. Definiți sensul conceptului de „stil”. Ce stiluri de artă europeană cunoașteți? Ce este „stil artistic”, „spațiu artistic”?

6. Enumerați și descrieți pe scurt tipurile de artă: arte spațială, temporală, spațiu-timp și arte spectaculoase.

7. Care este subiectul istoriei artei?

8. Care credeți că este rolul muzeelor, expozițiilor, galeriilor, bibliotecilor pentru studierea operelor de istorie a artei?

9. Trăsături ale gândirii antice despre artă: Informații supraviețuitoare despre primele exemple de literatură despre artă („Canon” de Policleto, tratate de Duris, Xenocrates). Direcția „topografică” în literatura despre artă: „Descrierea Hellas” de Pausanias. Descrierea operelor de artă de Lucian. Conceptul pitagoreic de „cosmos” ca întreg armonios, supus legilor „armoniei și numărului” și semnificației sale pentru începuturile teoriei arhitecturii. Ideea de ordine și proporție în arhitectură și urbanism. Imaginile orașului ideal din scrierile lui Platon (cartea a șasea a Legilor, dialogul Critias) și Aristotel (cartea a șaptea a Politicii). Înțelegerea artei în Roma antică. „Istoria naturală” de Pliniu cel Bătrân (secolul I d.Hr.) ca principală sursă de informații despre istoria artei antice. Tratatul lui Vitruvius: o expunere sistematică a teoriei arhitecturale clasice.

10. Soarta tradițiilor antice în Evul Mediu și trăsăturile ideilor medievale despre artă: Vederi estetice ale Evului Mediu (Augustin, Toma d’Aquino), ideea estetică principală: Dumnezeu este sursa frumuseții (Augustin) și semnificația ei pentru teorie artisticăși practici. Ideea de „prototip”. Caracteristici ale literaturii medievale despre artă. Manuale practic-tehnologice, de prescripție: „Ghidul pictorilor” din Muntele Afaon Dionysius Furnagrafiot, „Despre culorile și artele romanilor” de Heraclius, „Schedula” (Schedula - Student) de Theophilus. Descrierea monumentelor de arhitectură în cronici și vieți ale sfinților.

11. Renașterea ca punct de cotitură în istoria dezvoltării artei și istoriei artei europene. O nouă atitudine față de antichitate (studiul monumentelor antichității). Dezvoltarea unei viziuni seculare asupra lumii și apariția științei experimentale. Formarea unei tendințe de interpretare istorică și critică a fenomenelor artei: „Comentarii” de Lorenzo Ghiberti Tratate de probleme speciale - urbanism (Filaret), proporții în arhitectură (Francesco di Giorgio), perspectivă în pictură (Piero dela Francesca). Înțelegerea teoretică a punctului de cotitură al Renașterii în dezvoltarea artei și experiența studiului umanist al moștenirii antice în tratatele lui Leon Batista Alberti („Despre statuie”, 1435, „Despre pictură”, 1435-36, „Despre arhitectură”, ”), Leonardo da Vinci („Tratat de pictură”, publicat postum), Albrecht Dürer (Patru cărți despre proporțiile umane, 1528). Critica teoriei arhitecturale a lui Vitruvius în „Zece cărți de arhitectură” (1485) de Leon Baptiste Alberti. „Academia Valorii” Vitruvian și activitățile sale în studiul și traducerea operei lui Vitruvius. Tratatul lui Giacomo da Vignola „Regula celor cinci ordine de arhitectură” (1562). Patru cărți despre arhitectură (1570) de Andrea Palladio este un epilog clasic în istoria arhitecturii renascentiste. Rolul lui Palladio în dezvoltarea ideilor arhitecturale ale barocului și clasicismului. Palladio și paladianism.

12. Principalele etape în formarea istoriei artei istorice în timpurile moderne: de la Vasari la Winckelmann: „Viețile celor mai importanți pictori, sculptori și arhitecți” Giorgio Vasari (1550, 1568) ca o lucrare de hotar în istoria formației a criticii de artă. „Cartea artiștilor” de Karel Van Mander ca o continuare a biografiilor lui Vasari bazate pe materialul picturii olandeze.

13. Gânditorii secolului al XVIII-lea asupra problemelor formării stilului în artă, asupra metodelor artistice, locul și rolul artistului în societate: Raționalismul în istoria artei. Teoria clasică a lui Nicolas Poussin. Programul teoretic al clasicismului în „Arta poetică” de Nicolas Buallo (1674) și „Convorbiri despre cei mai cunoscuți pictori, vechi și noi” de A. Feliben (1666-1688).

14. Epoca Iluminismului (secolul al XVIII-lea) și problemele teoretice și metodologice ale artei. Formarea școlilor naționale în cadrul teoriei generale a artei. Dezvoltarea criticii de artă în Franța. Rolul saloanelor în viața artistică franceză. Recenzii ale saloanelor ca forme de frunte ale literaturii critice despre artele plastice. Dispute despre sarcinile criticii de artă (evaluarea creativității sau educarea publicului). Caracteristici ale istoriei artei germane. Contribuție la teoria artelor plastice de Gotthold Ephraim Lessing. Tratat „Laocoon” (1766) și problema granițelor picturii și poeziei. Introducerea conceptului de „arte plastice” în loc de „ Arte Frumoase„(trecând accentul de la frumos la adevăr și subliniind funcția figurativ-realistă a artei). Semnificația activităților lui Johann Joachim Winckelmann pentru dezvoltarea științei istorice a artei. Conceptul lui Winckelmann despre arta antică și periodizarea dezvoltării acesteia.

15. Originile gândirii ruse despre artă. Informații despre artiști și monumente artistice în cronicile medievale rusești și sursele epistolare. Ridicarea de întrebări despre artă în viața socială și politică a secolului al XVI-lea. (Catedrala Stoglavy din 1551 și alte catedrale) ca dovadă a trezirii gândirii critice și a luptei diferitelor tendințe ideologice.

16. O schimbare radicală în arta rusă a secolului al XVII-lea: formarea începuturilor unei viziuni seculare asupra lumii și prima cunoaștere a formelor europene de cultură artistică. Formarea gândirii artistice și teoretice. Capitolul „Despre iconografie” din „Viața” lui Avvakum. „Eseu despre artă” de Iosif Vladimirov (1665-1666) și „Cuvântul către pictura cu icoană curioasă” de Simon Ushakov (1666-1667) sunt primele lucrări rusești despre teoria artei.

17. Formarea activă a noilor forme seculare de cultură în secolul al XVIII-lea. Note

J. von Stehlin este prima încercare de a crea o istorie a artei ruse.

18. Noua înțelegere romantică a artei în articolele critice de K.N. Batyushkova, N.I. Gnedich, V. Kuchelbeker, V.F. Odoievski, D.V. Venevitinova, N.V. Gogol.

19. Istoria artei de la sfârșitul secolelor XIX - XX: Încercări de a sintetiza realizările școlii formale cu conceptele criticilor ei - „știința structurală” a stiluri artistice. Abordarea semiotică în istoria artei. Caracteristici ale studiului semiotic al operelor de artă plastică din operele lui Yu.M. Lotman, S.M. Daniel, B.A. Uspenski. Varietatea metodelor de studiere a artei în știința casnică modernă. Principii de analiză a unei opere de artă și o abordare problematică a studiului istoriei artei în operele lui M. Alpatov („Problemele artistice ale artei Greciei Antice”, „Problemele artistice ale Renașterii italiene”). Sinteza abordărilor metodologice (formale stilistice, iconografice, iconologice, sociologice) de V. Lazarev. Metoda comparativ-istorică de cercetare în lucrările lui D. Sarabyanov („Pictura rusă a secolului al XIX-lea printre școlile europene. Experiența cercetării comparate”). Abordare sistematică a artei și a caracteristicilor acesteia.

1. Alekseev V.V. Ce este arta? Despre modul în care un pictor, grafician și sculptor descrie lumea. – M.: Art, 1991.

2. Valeri P. Despre art. Colectie. – M.: Art, 1993.

3. Vipper B.R. Introducere în studiul istoric al artei. – M.: Arte vizuale, 1985.

4.Vlasov V.G. Stiluri în artă - Sankt Petersburg: 1998.

5.Zis A.Ya. Tipuri de artă. – M.: Cunoașterea, 1979.

6.Kon-Wiener. Istoria stilurilor artelor plastice. - M.: Svarog și K, 1998.

7. Melik-Paşaev A.A. Dicționar modern - carte de referință despre artă. – M.: Olimp – AST, 2000.

8. Janson H.V. Fundamentele istoriei artei. – M.: Art, 2001.

Tema 2. Arta lumii antice. Arta epocii sistemului comunal primitiv și a Orientului antic.

Întrebări:

1. Periodizarea artei societăţii primitive. Caracteristică arta primitiva epoci: Paleolitic, Mezolitic, Neolitic, Bronz.

2. Conceptul de sincretism în arta primitivă, exemplele sale.

3. Legile și principiile generale ale artei Orientului Antic.

4. Art Mesopotamia antică.

5. Arta sumerienilor antici.

6. Arta Babiloniei și Asiriei antice.

Probleme de discutat:

1. Dă scurtă recenzie periodizarea artei primitive. Care sunt trăsăturile artei fiecărei perioade?

2. Descrieți principalele trăsături ale artei primitive: sincretismul, fetișismul, animismul, totemismul.

3. Comparați canoanele din reprezentarea unei persoane în arta Orientului antic (Egipt și Mesopotamia).

4. Care sunt trăsăturile artelor plastice ale Mesopotamiei Antice?

5. Povestește-ne despre arhitectura Mesopotamiei pe exemplul unor monumente specifice:

ziguratul lui Etemenniguru din Ur și ziguratul lui Etemenanki din Noul Babilon.

6. Povestește-ne despre sculptura Mesopotamiei pe exemplul unor monumente specifice: zidurile de-a lungul Drumului Procesiunii, Poarta Iștar, reliefurile din Palatul Ashurnasirpal din

7. Care este tema imaginilor sculpturale în relief ale Mesopotamiei?

8. Cum se numeau primele monumente de arhitectură babiloniene? Care a fost al lor

programare?

9. Care este particularitatea cosmogoniei culturii sumero-akkadiene?

10. Enumerați realizările în arta civilizației sumero-akkadiene.

1. Vinogradova N.A. Arta tradițională a Orientului. - M.: Art, 1997.

2. Dmitrieva N.A. Poveste scurta artele. Emisiune. 1: Din cele mai vechi timpuri până în secolul al XVI-lea. eseuri. – M.: Art, 1985.

3. Art of the Ancient East (Monumente ale artei mondiale). – M.: Art, 1968.

4. Arta Egiptului Antic. Pictură, sculptură, arhitectură, arte aplicate. – M.: Arte vizuale, 1972.

5. Art Lumea antica. – M.: 2001.

6. Istoria artei. Primele civilizații - Barcelona-Moscova: OSEANO - Beta-Service, 1998.

7. Monumente ale artei mondiale. Numărul III, prima serie. Arta Orientului Antic. - M.: Art, 1970.

8.Pomerantseva N.A. Bazele estetice ale artei Egiptului antic. – M.: Art, 1985.

9. Stolyar A.D. Originea artelor plastice. – M.: Art, 1985.

Epoca lui Petru I este de o importanță fundamentală pentru toată arta rusă a timpurilor moderne.Rusia în toate domeniile, inclusiv în domeniul construcției culturale, a trebuit să fie la egalitate cu țările vest-europene. Peter a înțeles de mare valoare pentru ca Rusia să stăpânească experiența artistică avansată a Occidentului. Au fost achiziționate lucrări ale maeștrilor vest-europeni, s-au organizat excursii pentru pensionari pe cheltuiala statului a maeștrilor ruși pentru a studia în Europa, artiștii străini au fost invitați să lucreze și să formeze maeștri ruși în Rusia.

I. N. Nikitin. Portretul unui hatman în aer liber. anii 1720 Pânză, ulei.

Observând schimbările din arta rusă, nu trebuie să uităm că s-au bazat pe mare moștenire istorică, au fost pregătite de cursul anterior de dezvoltare a culturii artistice. În arta secolului al XVII-lea. au apărut noi trăsături, de exemplu, construcția de palate, a început să fie determinat genul portretului în pictură, dar ele au fost dezvăluite cel mai pe deplin la începutul secolului al XVIII-lea. Tradițiile naționale au influențat, de asemenea, în mod decisiv natura muncii multor maeștri străini care au lucrat în Rusia.

A. M. MATVEEV Răspuns automat cu soția. Pânză, ulei.

Esența transformărilor lui Petru în domeniul culturii este „secularizarea” acesteia. Aceasta înseamnă că arta devine laică, încetează să servească doar intereselor unui cult religios. Înseși compoziția artei se transformă, apar noi tipuri de activitate artistică, genuri și, în sfârșit, limbajul pictural se schimbă. Baza picturii este observația, studiul formelor naturii pământești și ale omului, și nu urmând modele canonizate, ca în Evul Mediu.

Dintre genurile picturii, începând din vremea lui Petru cel Mare și de-a lungul secolului al XVIII-lea. conducătorul devine portret. Opera a doi portretisti ruși - I. N. Nikitin și A. M. Matveev marchează nașterea portretului psihologic în sine.

V. L. Borovikovsky. Portretul lui A. G. și V. G. Gagarin. 1802. Ulei pe pânză. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova

Construcția civilă și a palatului din epoca petrină este o nouă perioadă strălucitoare în istoria arhitecturii ruse.

Subordonată sarcinilor de aranjare practică a vieții, arta pe vremea lui Petru era înțeleasă ca un grad înalt de îndemânare – „arte” în orice afacere, fie că este vorba de pictură, sculptură sau realizarea unui model de navă sau mecanisme de ceas. Fuziunea artei cu tehnologia, știința și meșteșugul determină caracterul artistic și ingineresc deosebit al culturii epocii petrine. Nu numai statul, ci și cea mai mare acțiune culturală a lui Petru I a fost fondatorul Sankt Petersburgului - noua capitală a tinerilor Imperiul Rus, care devine centrul artei noi.

A. G. Venetsianov. La recoltare. Vară. anii 1820 Pânză, ulei. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova.

Arta începe să slujească sarcinilor de decorare a vieții și a vieții de zi cu zi, capătă, alături de o amploare monumentală, un caracter festiv, magnific și decorativ. Aceste trăsături au fost exprimate cel mai viu și perfect în opera marelui arhitect VV Rastrelli - constructorul Marelui Palat din Tsarskoye Selo și al Palatului de Iarnă din Sankt Petersburg - exemple strălucitoare ale stilului baroc.

A doua jumătate a secolului al XVIII-lea - timpul unei puternice înfloriri strălucitoare a artei ruse din timpurile moderne. Vremea uceniciei în Europa a luat sfârșit. Înființată în 1757, Academia de Arte din Sankt Petersburg devine o forjă de personal artistic național. Sistemul de educație artistică a fost raționalizat, contactele cu lumea culturală europeană au devenit mai concentrate. Începutul activității Academiei de Arte a coincis cu înființarea clasicismului - un stil care s-a opus fastului decorativ și extravaganței barocului cu o logică strictă, claritate și proporție rezonabilă, care sunt redescoperite în operele clasice de artă antică și Renaștere. . În arhitectură, acesta este timpul activității unor arhitecți remarcabili precum V.I. Bazhenov - autorul casei Pașkov din Moscova, M.F., care a construit Palatul Tauride din Sankt Petersburg, C. Cameron - creatorul unui palat și peisaj magnific. ansamblu de grădinărit din Pavlovsk lângă Sankt Petersburg. Ascensiunea sculpturii domestice în opera lui F. G. Gordeev, I. P. Martos, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin este, de asemenea, asociată cu epoca clasicismului. Perspectivă psihologică excepțională, curaj și flexibilitate tehnici artistice, străină oricăror scheme convenționale, se distinge sculptura portret a lui F. I. Shubin. Dovada maturității artei ruse, atinsă în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, este diversitatea indivizilor creativi, care se reflectă, de exemplu, în diferența de stil artistic a celor doi mari maeștri ai portretului pictural - F. S. Rokotov și D. G. Levitsky. Pictura lui Levitsky este plină de strălucire, de intoxicare cu frumusețea vizibilă a lumii materiale, captivează prin plinătatea vieții, varietatea uimitoare a tipurilor umane recreate, bogăția intonațiilor emoționale - solemnitate, grație, viclenie, mândrie, cochetărie etc. Rokotov în cele mai bune portrete ale anilor 1770. apare ca un maestru al caracteristicilor intime, manifestate în nuanțele și nuanțele expresiilor faciale, pâlpâind în mod misterios din amurgul fundalurilor pitorești. Opera lui V. L. Borovikovsky, care a completat înflorirea strălucitoare a artei portretului în secolul al XVIII-lea, a fost marcată de influența ideilor și stărilor de spirit ale sentimentalismului.

F. S. Rokotov. Portretul lui A. P. Struiskaya (detaliu). 1772. Ulei pe pânză. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova.

Odată cu debutul secolului al XIX-lea în arta rusă au loc schimbări semnificative. Începutul secolului a fost marcat de nașterea unei noi tendințe artistice - romantismul, primul purtător de cuvânt al căruia a fost O. A. Kiprensky. Pictura rusă îi datorează lui S. F. Shchedrin descoperirea scrisului în aer liber în peisaj. A. G. Venetsianov devine fondatorul genului rusesc de zi cu zi. Întorcându-se pentru prima dată la imaginea vieții țărănești, a arătat-o ​​ca pe o lume plină de armonie, grandoare și frumusețe. Contrar opoziției dintre „natura simplă” și „natura elegantă” care exista în estetica academică, elegantul a fost descoperit într-un domeniu de activitate care înainte era considerat nedemn de artă. În pictura lui Venetsianov, au sunat pentru prima dată versurile pătrunzătoare ale naturii rurale rusești. Un profesor excelent, el aduce în lume o galaxie de artiști, precum A. V. Tyranov, G. V. Soroka și alții. Unul dintre genurile principale în munca lor, alături de peisaj și portret, este interiorul. Compoziția de gen a artei rusești este îmbogățită. Înfățișând viața în chipul ei simplu, neceremonial, în cursul pașnic al vieții de zi cu zi, în imagini ale naturii lor native, ei au făcut ca frumusețea în artă să fie proporțională cu sentimentele oamenilor obișnuiți care percep frumusețea și poezia ca momente de odihnă și liniște, câștigat din grijile și munca de zi cu zi. În același timp, apare un sistem pictural care se opune școlii academice, un sistem bazat nu pe tipare tradiționale din trecut, ci pe căutarea tiparelor armonice și a poeziei în realitatea cotidiană, cotidiană. Realitatea invadează în mod imperios arta și duce la anii 40. la înflorirea graficii cotidiene și satirice (V. F. Timm, A. A. Agin), care este o analogie cu „școala naturală” din literatură. Această linie de artă culminează cu opera lui P. A. Fedotov, care introduce un conflict în tabloul cotidian, o acțiune dramatică dezvoltată cu un fundal social satiric, forțând mediul extern să servească obiectivelor caracteristicilor sociale, morale și psihologice de mai târziu ale personajele. Regândirea formelor tradiționale ale școlii academice dă naștere unor astfel de creații monumentale în pictura istorică precum „Ultima zi a Pompeii” de K. P. Bryullov, pe de o parte, și „Apariția lui Hristos către oameni” de A. A. Ivanov, pe de altă parte. Ivanov a îmbogățit pictura cu o dezvoltare psihologică profundă, descoperirea unei noi metode de studiu de lucru pe o pânză mare. Asimilarea înțeleaptă a moștenirii clasice, verificarea preceptelor sale propria experiență pictura în aer liber, amploarea conceptelor creative, atitudinea față de darul creator ca o mare responsabilitate pentru educarea oamenilor și îmbunătățirea culturii lor spirituale - toate acestea au făcut din munca lui Ivanov nu numai o școală de pricepere, ci și o mare lecție în umanismul în artă.

O. A. Kiprensky. Portretul unui băiat A. A. Chelishchev. BINE. 1809. Ulei pe pânză. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova.

Prima treime a secolului al XIX-lea - cea mai înaltă etapă în dezvoltarea clasicismului în arhitectura rusă, denumită de obicei Imperiu. Creativitatea arhitecturală a acestei perioade nu este atât proiectarea perfectă a clădirilor individuale, cât arta organizării arhitecturale a spațiilor mari de străzi și piețe. Acestea sunt ansamblurile de urbanism din Sankt Petersburg - Amiraalitatea (arhitectul A. D. Zakharov), Bursa de pe scuipa insulei Vasilyevsky (arhitectul J. Thomas de Thomon), Catedrala din Kazan (arhitectul A. N. Voronikhin). Ansamblurile lui K. I. Rossi, autorul Clădirii Statului Major, care a completat compoziția Pieței Palatului, și complexul de clădiri, străzi și piețe din jurul Teatrului Alexandrinsky din Sankt Petersburg, proiectat de el, sunt marcate de o amploare grandioasă. de urbanism.

V. A. Tropinin. Portretul fiului lui Arsenie Tropinin. 1818. Ulei pe pânză. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova.

De la începutul anilor 1860, de la abolirea iobăgiei, arta rusă a primit o atenție critică ascuțită și, astfel, vorbește despre necesitatea unor transformări sociale fundamentale. Arta a declarat acest lucru, înfățișând răul nedreptății sociale, expunând viciile și ulcerele societății (majoritatea lucrărilor lui V. G. Perov din anii 1860). A pus în contrast stagnarea vieții moderne cu puterea transformatoare a epocilor istorice critice (picturi de V.I. Surikov din anii 1880).

S. F. Şcedrin. Noapte de lună în Napoli. 1828-1829. Pânză, ulei. Muzeul de Stat al Rusiei.

Combinația dintre adevărul personajelor și împrejurărilor cu o reprezentare veridică a vieții în formele în care aceasta este percepută în experiența obișnuită, de zi cu zi, este o trăsătură a realismului critic sau democratic, în conformitate cu care s-a dezvoltat arta progresivă rusă. de la începutul anilor 1860. Mediul nutritiv și publicul principal al acestei noi arte a fost inteligența raznochintsy. Ascensiunea realismului democratic II jumătatea anului XIX V. asociat cu activitățile Asociației Expozițiilor de Artă Itinerante fondată în 1870 (vezi Rătăcitori). Liderul ideologic și organizatorul Wanderers a fost I. N. Kramskoy, unul dintre cei mai profundi artiști, un teoretician, critic și profesor talentat. Sub influența sa călăuzitoare, TPES a contribuit la consolidarea forțelor artistice avansate, la extinderea și democratizarea publicului datorită disponibilității limbajului artistic, acoperirii cuprinzătoare a fenomenelor vieții populare, capacității de a face arta sensibilă din punct de vedere social, capabilă. de a prezenta subiecte şi probleme care privesc societatea la un moment istoric dat.

A. I. Kuindzhi. Seara in Ucraina. 1878. Ulei pe pânză. Muzeul de Stat al Rusiei. Leningrad.

În anii 1860 pictura de gen a dominat, în anii 70 rolul portretului (V. G. Perov, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko) și al peisajului (A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I (I. Shishkin, A. I. Kuindzhi, V. D. Polenov). Un rol major în promovarea artei Rătăcitorilor i-a revenit remarcabilului critic de artă și istoric de artă V. V. Stasov. În același timp, activitatea de colectare a lui P. M. Tretyakov se dezvolta. Galeria sa (vezi Galeria Tretiakov) devine fortăreața noii școli realiste, profilul colecției sale este determinat de lucrările Rătăcitorilor.

Următoarea perioadă a artei rusești este sfârșitul secolului al XIX-lea - începutul secolului al XX-lea. Anii 1980 au fost un deceniu de tranziție, când realismul rătăcitor a atins apogeul în lucrările lui I. E. Repin și V. I. Surikov. În acești ani, au fost create astfel de capodopere ale picturii rusești precum „Dimineața execuției Streltsy”, „Boiar Morozova” de V. I. Surikov, „Procesiune religioasă în guvernoratul Kursk”, „Arestarea propagandei”, „Nu au așteptat” de I. E. Repin. Alături de ei sunt artiști ai unei noi generații cu un program creativ diferit - V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin. Contradicțiile dezvoltării capitaliste burgheze târziu își exercită influența asupra vieții spirituale a societății. În mintea artiștilor, lumea reală este marcată de stigmatizarea lăcomiei burgheze și a intereselor meschine. Ei încep să caute armonia și frumusețea în afara realității aparent prozaice - în domeniul fanteziei artistice. Pe această bază, interesul pentru basm, comploturi alegorice și mitologice revigorează (V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel), ceea ce duce la căutarea unor astfel de forma de arta, care este capabilă să transpună imaginația privitorului în sfera reprezentărilor folclorice, a amintirilor din trecut sau a vagilor presimțiri ale viitorului. Predominanța imaginilor și a formelor care exprimă indirect conținutul modernității asupra formelor reflectării directe a acesteia este una dintre trăsăturile distinctive ale artei de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Complexitatea limbajului artistic caracterizează munca reprezentanților „Lumii Artei” - un grup artistic care a luat forma la începutul secolelor XIX-XX.

V. M. Vasneţov. Alyonushka. 1881. Ulei pe pânză. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova.

Stilul Art Nouveau devine decisiv în această perioadă. Alături de pictură, arhitectura se dezvoltă activ, în care domină stilul Art Nouveau, arta și meșteșugurile, grafica de carte, sculptura și arta teatrală și decorativă. Domeniile de aplicare a creativității artistice se extind enorm, dar interacțiunea și influența reciprocă a tuturor acestor domenii este mai semnificativă. În aceste condiții, se formează un tip de artist universal care poate „face totul” - picta un tablou și un panou decorativ, execută o vignetă pentru o carte și un tablou monumental, sculptează o sculptură și creează o schiță a unui costum de teatru. În diferite grade, trăsăturile unui astfel de universalism sunt marcate, de exemplu, de opera lui M. A. Vrubel și principalul arhitect al stilului Art Nouveau din Rusia, F. O. Shekhtel, precum și de artiștii din lumea artei.

Cele mai importante repere în evoluția picturii ruse la începutul secolului sunt marcate de lucrările lui V. A. Serov, a cărui operă este impregnată de dorința, folosind noi forme stilistice, de a evita extremele formaliste, de a obține claritatea și simplitatea clasică, rămânând în același timp fidel preceptelor școlii realiste, umanismului acesteia, în care sobru - o viziune critică asupra lumii este combinată cu o idee a scopului înalt al omului.

A. K. Savrasov. Rooks Au Sosit. 1871. Ulei pe pânză. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova.

Viața artistică la începutul secolului al XX-lea. este de o intensitate fără precedent. Evenimentele revoluționare din 1905-1907 a stimulat dezvoltarea artei sociale active. Lucrările lui N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov și alții au întruchipat cele mai importante evenimente sociale și sociale din acești ani, imaginea muncitorului ca forță principală a revoluției. Mulți maeștri lucrează în domeniul graficii politice satirice și al desenelor animate de reviste.

Gama de tradiții artistice la care se referă arta secolului al XX-lea este neobișnuit de largă. Alături de viața continuă a rătăcitorilor, există o variantă de pictură impresionistă în rândul maeștrilor Uniunii Artiștilor Ruși, simbolismul, reprezentat de opera lui V. E. Borisov-Musatov și artiștii asociației Blue Rose.

K. A. Korovin. In iarna. 1894. Ulei pe pânză. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova.

Dorința de a actualiza limbajul artistic prin referire la stilul de artizanat urban și artă populară, jucării, imprimeuri populare, semne, desene pentru copii, ținând cont de experiența celei mai recente picturi franceze, caracterizează activitățile artiștilor din " Jack of Diamonds" - o societate organizată în 1910. În munca maeștrilor acestei direcții - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov - rolul naturii moarte crește semnificativ. Tradițiile picturii antice rusești primesc o nouă refracție în arta lui K. S. Petrov-Vodkin.

F. A. Vasiliev. Înainte de ploaie 1869. Ulei pe pânză. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova.

Atinge o creștere semnificativă la începutul secolelor XIX-XX. sculptură. P. P. Trubetskoy introduce în el trăsături impresioniste. Compozițiile sale portretistice se remarcă prin acuitatea momentului de viață surprins, bogăția nuanțelor subtile. Lucrând în materiale moi, Trubetskoy a revenit sculpturii simțul pierdut al materialului, înțelegerea proprietăților sale expresive. Monumentul lui Alexandru al III-lea, creat de Trubetskoy în 1909, este un exemplu unic al soluției grotești a imaginii în istoria monumentelor. Monumentul lui N.V. Gogol, creat de N.A. Andreev (1909), aparține realizărilor remarcabile ale sculpturii monumentale.

În sculptura din 1912 „Omul așezat” de A. S. Golubkina, apare o imagine care sintetizează idei despre soarta proletarului modern - acesta este un simbol al spiritului de forță înlănțuit temporar, dar plin de rebel. Creativitatea lui S. T. Konenkov se distinge printr-o varietate de genuri și forme stilistice. Impresiile reale ale bătăliilor revoluționare sunt întruchipate de sculptor în portretul „Lucrător-militant din 1905 Ivan Churkin”. Nu numai trăsăturile feței, ci și soliditatea blocului de piatră, subliniată de zgârcenia prelucrării, dau naștere unei imagini de voință indestructibilă, temperată în focul bătăliilor de clasă. Tradițiile sculpturii clasice sunt reînviate în opera lui A. T. Matveev.

S. A. Korovin. În lume. 1893. Ulei pe pânză. Galeria de Stat Tretiakov. Moscova.

Dorința de a regândi și a reînvia la o viață nouă aproape toate imaginile și formele inventate de omenire de-a lungul secolelor de istorie, și în același timp experimente formale, ajungând uneori la negarea tuturor tradițiilor - acestea sunt manifestările extreme ale situației artistice. în arta rusă de la începutul secolului al XX-lea. Cu toate acestea, aceste extreme însele au fost un indicator al conflictului intern profund din viața rusă din ajunul revoluției și reflectau în felul lor complexitatea vremii, care, potrivit lui A. Blok, a adus „schimbări nemaiauzite, revolte fără precedent. ." În aceste condiții, a fost adusă în evidență acea sensibilitate față de fenomenele vremii pe care, împreună cu o înaltă cultură a meșteșugului, cei mai buni artiști ai perioadei pre-revoluționare au adus-o artei sovietice (vezi.