Kto namalował obraz Mona Lisy? Mona Lisa Leonarda da Vinci

13.12.2023 | Technika

Leonardo da Vinci „La Gioconda”:
Historia malarstwa

22 sierpnia 1911 roku z Sali Kwadratowej Luwru zniknął światowej sławy obraz Leonarda da Vinci „La Gioconda”. O 13:00, kiedy muzeum zostało otwarte dla zwiedzających, jej tam nie było. Wśród pracowników Luwru zaczęło się zamieszanie. Sieć podała, że muzeum będzie zamknięte na cały dzień z powodu awarii wodociągu.

Pojawił się prefekt policji z oddziałem inspektorów. Zamknięto wszystkie wyjścia z Luwru i zaczęto przeszukiwać muzeum. Nie da się jednak w ciągu jednego dnia zwiedzić starożytnego pałacu królów francuskich o powierzchni 198 metrów kwadratowych. Jednak pod koniec dnia policji udało się znaleźć szklaną gablotę i ramę Mony Lisy na podeście małej klatki schodowej. Sam obraz – prostokąt o wymiarach 54x79 centymetrów – zniknął bez śladu.

„Utrata La Giocondy to klęska narodowa” – napisano we francuskim czasopiśmie „Ilustracja”, „ponieważ jest prawie pewne, że ktokolwiek dopuścił się tej kradzieży, nie może odnieść z niej żadnej korzyści. Należy się obawiać, że w obawie przed złapaniem może zniszczyć to kruche dzieło”.

Magazyn ogłosił nagrodę: „40 000 franków dla tego, kto przyniesie „La Giocondę” do redakcji pisma. 20 000 franków dla każdego, kto wskaże, gdzie można znaleźć obraz. 45 000 temu, kto zwróci La Giocondę przed 1 września”. Minął pierwszy września, a obrazu nie było. Następnie Illustration opublikował nową propozycję: „Wydawcy gwarantują całkowitą tajemnicę temu, kto przyniesie „La Giocondę”. Dadzą mu 45 000 w gotówce i nawet nie zapytają, jak się nazywa”. Ale nikt nie przyszedł.

Minął miesiąc za miesiącem. Przez cały ten czas portret pięknej florenckiej kobiety leżał ukryty w kupie śmieci na trzecim piętrze dużego paryskiego domu „Cité du Heroes”, w którym mieszkali włoscy pracownicy sezonowi.

Minęło jeszcze kilka miesięcy, rok, dwa...
Pewnego dnia włoski handlarz antykami Alfredo Geri otrzymał list z Paryża. Na kiepskiej szkolnej gazetce, niezdarnymi listami, niejaki Vincenzo Leopardi zaproponował handlarzowi antykami portret Mony Lisy, który zniknął z Luwru. Leopardi napisał, że pragnie zwrócić ojczyźnie jedno z najlepszych dzieł sztuki włoskiej.
List ten został wysłany w listopadzie 1913 r.
Kiedy po długich negocjacjach, korespondencji i spotkaniach Leopardi dostarczył obraz do Galerii Uffizi we Florencji, powiedział:
„To dobra i święta rzecz! Luwr jest pełen skarbów, które słusznie należą do Włoch. Nie byłbym Włochem, gdybym patrzył na to obojętnie!”

Na szczęście dwa lata i trzy miesiące, które Mona Lisa spędziła w niewoli, nie wpłynęły na obraz. Pod ochroną policji La Gioconda była wystawiana w Rzymie, Florencji, Mediolanie, a następnie po uroczystym pożegnaniu wyjechała do Paryża.

Śledztwo w sprawie Perugii (tak brzmi prawdziwe nazwisko porywacza) trwało kilka miesięcy. Zatrzymany mężczyzna niczego nie ukrywał i twierdził, że okresowo pracował w Luwrze jako szklarz. W tym czasie zwiedzał sale galerii sztuki i spotykał się z wieloma pracownikami muzeów. Otwarcie stwierdził, że już dawno podjął decyzję o kradzieży La Giocondy.

Peruggi nie znał dobrze historii malarstwa. Szczerze i naiwnie wierzył, że La Gioconda została zabrana Włochom za czasów Napoleona.
Tymczasem sam Leonardo da Vinci przywiózł go do Francji i sprzedał królowi Francji Franciszkowi I za 4000 ecu – wówczas ogromną kwotę. Obraz ten przez długi czas zdobił Złoty Gabinet zamku królewskiego w Fontainebleau, za Ludwika XIV został przeniesiony do Wersalu, a po rewolucji do Luwru.

Po 20 latach pobytu w Mediolanie Leonardo da Vinci wrócił do Florencji. Jak wiele zmieniło się w jego rodzinnym mieście! Ci, których tu pozostawił, byli już u szczytu swej chwały; a on, który niegdyś cieszył się powszechnym kultem, został prawie zapomniany. Jego starzy przyjaciele, wciągnięci w wicher niepokoju i niepokoju, bardzo się zmienili... Jeden z nich został mnichem; inny, zrozpaczony śmiercią szalonego Savonaroli, porzucił malarstwo i resztę swoich dni postanowił spędzić w szpitalu Santa Maria Novella; trzeci, stary na duchu i ciele, nie mógł już być byłym towarzyszem Leonarda.

Dopiero doświadczony już w codziennych sprawach P. Perugino rozmawiał z Leonardem po staremu i udzielał mu przydatnych rad. Jego słowa były prawdziwe i Leonardo da Vinci również bardzo potrzebował tych wskazówek. W służbie księcia nie zarabiał pieniędzy na wygodne życie i ze skromnymi funduszami wrócił do Florencji. Leonardo nigdy nawet nie myślał o dużych i poważnych dziełach i nikt mu ich nie zamawiał. Aby pisać na własne ryzyko z miłości do sztuki, nie miał ani pieniędzy, ani czasu. Cała florencka szlachta zabiegała o miernych mistrzów, a genialny da Vinci żył w biedzie, zadowalając się okruchami, które spadały mu z rozkazów szczęśliwych braci.
Ale we Florencji Leonardo da Vinci stworzył swoje arcydzieło - słynny obraz „La Gioconda”.

Radziecki krytyk sztuki I. Dołgopołow zauważył, że pisanie o tym obrazie „jest po prostu przerażające, ponieważ poeci, prozaicy i krytycy sztuki napisali o nim setki książek. Istnieje niezliczona ilość publikacji, w których dokładnie przestudiowano każdy centymetr tego obrazu. I choć historia jego powstania jest dość dobrze znana, kwestionuje się tytuł obrazu, datę jego namalowania, a nawet miasto, w którym wielki Leonardo spotkał się ze swoim modelem.”

Giorgio Vasari w swoich „Biografiach” tak opisuje ten obraz: „Leonardo podjął się wykonania dla Francesco del Giocondo portretu Mony Lisy, swojej żony”.
Jak obecnie sugerują niektórzy badacze, Vasari najwyraźniej się mylił. Z najnowszych badań wynika, że obraz nie przedstawia żony florenckiego szlachcica del Giocondo, ale inną wysoką damę. MAMA. Na przykład Gukowski kilkadziesiąt lat temu napisał, że ten portret oddaje cechy jednej z wielu dam serca Giulio Medici i został wykonany na jego zamówienie. Jednoznacznie stwierdza to Antonio de Beatis, który widział portret w pracowni Leonarda we Francji.

W swoim pamiętniku datowanym na 10 października 1517 roku zapisuje: „Na jednym z przedmieść pan kardynał udał się z nami, grzesznikami, do pana Luonardo Vinci, florentyńczyka… znakomitego malarza naszych czasów. Ten ostatni pokazał jego lordowskiej mości trzy obrazy – jeden przedstawiający pewną florencką damę, namalowany z życia na zlecenie zmarłego Wspaniałego Giulio Medici.

Wielu badaczy było zdumionych, dlaczego kupiec del Giocondo nie zostawił portretu swojej żony. Rzeczywiście portret stał się własnością artysty. I fakt ten przez niektórych jest odbierany jako argument na rzecz tego, że Leonardo nie przedstawił Mony Lisy. Ale może Florentyńczyk był dość zdumiony i zaskoczony? Może po prostu nie rozpoznał w przedstawionej bogini swojej młodej żony Mony Lisy Gherardini? Ale sam Leonardo, który malował portret przez cztery lata i tyle w niego inwestował, nie mógł się z nim rozstać i zabrał obraz z Florencji?

Tak czy inaczej, dzięki D. Vasariemu ten kobiecy wizerunek wszedł do historii kultury światowej pod nazwą „Mona Lisa” lub „Gioconda”. Czy była piękna? Prawdopodobnie, ale we Florencji było wiele kobiet piękniejszych od niej.
Jednak Mona Lisa była zaskakująco atrakcyjna, choć jej rysy twarzy nie były harmonijne. Małe uśmiechnięte usta, miękkie włosy opadające na ramiona...
„Ale jej w pełni rozwinięta sylwetka” – pisze M. Alpatov – „była idealna, a jej zadbane dłonie miały szczególnie doskonały kształt. Ale to, co było w niej niezwykłe, pomimo bogactwa, modnie wyczesanych brwi, różu i dużej ilości biżuterii na dłoniach i szyi, to prostota i naturalność rozlewająca się po całym jej wyglądzie...
A potem jej twarz rozjaśniła się uśmiechem i stała się dla artysty niezwykle atrakcyjna – zawstydzona i nieco przebiegła, jakby wróciła do niego utracona żartobliwość młodości i coś ukrytego w głębi duszy, nierozwiązanego.”

Leonardo uciekał się do najróżniejszych trików, aby jego model nie nudził się podczas sesji. W pięknie udekorowanej sali, wśród kwiatów i luksusowych mebli, siedzieli muzycy, ciesząc uszy śpiewem i muzyką, a piękna, wyrafinowana artystka wypatrywała cudownego uśmiechu na twarzy Mony Lisy.
Zapraszał błaznów i klaunów, ale muzyka nie do końca zadowalała Monę Lisę. Słuchała znanych utworów ze znudzoną miną, a magik-żongler też jej nie ożywił. A potem Leonardo opowiedział jej bajkę.

Dawno, dawno temu żył biedny człowiek i miał czterech synów, trzech mądrych, a jeden był tym i tamtym. - ani inteligencja, ani głupota. Tak, jednak nie potrafili właściwie ocenić jego inteligencji: był cichszy i lubił chodzić po polu, nad morze, słuchać i myśleć o sobie; Uwielbiałam też patrzeć na gwiazdy nocą.

A potem śmierć przyszła po ojca. Zanim odebrał sobie życie, przywołał do siebie swoje dzieci i powiedział im:
„Moi synowie, wkrótce umrę. Jak tylko mnie pochowasz, zamknij chatę i udaj się na koniec świata w poszukiwaniu szczęścia dla siebie. Niech każdy się czegoś nauczy, żeby mógł się wyżywić”.

Ojciec umarł, a synowie, pochowawszy go, udali się na krańce świata w poszukiwaniu szczęścia i zgodzili się, że za trzy lata wrócą na polanę w swoim rodzinnym gaju, gdzie udali się po martwe drewno, i powiedzą sobie nawzajem inni, którzy nauczyli się czego przez te trzy lata.
Minęły trzy lata i pamiętając o porozumieniu, bracia wrócili z końca świata na polanę do swojego rodzinnego gaju. Przyszedł pierwszy brat i nauczył się stolarki. Z nudów ściął drzewo i ociosał je, robiąc z niego kobietę. Odszedł kawałek i czekał.
Drugi brat wrócił, zobaczył drewnianą kobietę, a ponieważ był krawcem, postanowił ją ubrać i w tej właśnie chwili niczym wprawny rzemieślnik uszył jej piękną jedwabną suknię.
Przyszedł trzeci syn i ozdobił drewnianą dziewczynę złotem i drogimi kamieniami, ponieważ był jubilerem i udało mu się zgromadzić ogromne bogactwo.

I przyszedł czwarty brat. Nie umiał ani cieśli, ani szyć - umiał jedynie słuchać tego, co mówi ziemia, co mówią drzewa, zioła, zwierzęta i ptaki, znał bieg planet niebieskich, a także umiał śpiewać wspaniałe pieśni. Zobaczył drewnianą dziewczynę w luksusowych strojach, złocie i drogich kamieniach. Ona jednak była głucha i niema i nie poruszała się. Potem zebrał całą swoją sztukę - w końcu nauczył się rozmawiać ze wszystkim, co jest na ziemi, nauczył się swoją pieśnią ożywiać kamienie... I zaśpiewał piękną pieśń, z której płakali bracia kryjący się za krzakami, i tą piosenką tchnął duszę w drewnianą kobietę. A ona uśmiechnęła się i westchnęła...

Wtedy bracia podbiegli do niej i krzyknęli:
- Stworzyłem cię, powinnaś być moją żoną!
- Musisz być moją żoną, ubrałem cię, nagą i nędzną!
- I uczyniłem cię bogatym, powinnaś zostać moją żoną!

Ale dziewczyna odpowiedziała:
- Stworzyłeś mnie - bądź moim ojcem. Ubraliście mnie i ozdobiliście – bądźcie moimi braćmi. A Ty, który tchnąłeś we mnie duszę moją i nauczyłeś cieszyć się życiem, Ty jeden będziesz moim mężem na całe życie...
A drzewa i kwiaty, i cała ziemia wraz z ptakami zaśpiewały im hymn miłości...

Skończywszy opowieść, Leonardo spojrzał na Monę Lisę. Boże, co się stało z jej twarzą! Wydawało się, że jest oświetlone światłem, oczy błyszczały. Uśmiech błogości, powoli znikający z jej twarzy, pozostał w kącikach jej ust i drżał, nadając mu niesamowity, tajemniczy i nieco przebiegły wyraz.

Już dawno Leonardo da Vinci nie doświadczył tak ogromnego przypływu twórczej energii. Wszystko, co było w nim najweselszego, najjaśniejszego i jasnego, włożył w swoją pracę.
Aby podkreślić wrażenie twarzy, Leonardo ubrał Monę Lisę w prostą sukienkę, pozbawioną wszelkich ozdób, skromną i ciemną. Wrażenie prostoty i naturalności potęgują umiejętnie pomalowane fałdy sukni i lekka chusta.

Artyści i miłośnicy sztuki, którzy czasami odwiedzali Leonarda, zobaczyli La Giocondę i byli zachwyceni:
- Jaką magiczną umiejętność posiada Messer Leonardo w przedstawianiu tego żywego blasku, tej wilgoci w oczach!
- Na pewno oddycha!
- Teraz będzie się śmiać!
- Niemal czuć żywą skórę tej uroczej twarzy... Wydaje się, że w zagłębieniu szyi widać bicie pulsu.
- Jaki ona ma dziwny uśmiech. Jakby o czymś myślała i nic nie mówiła...

Rzeczywiście, w oczach „La Gioconda” jest światło i wilgotny połysk, jak w żywych oczach, a na powiekach widoczne są najdelikatniejsze liliowe żyłki. ale wielki artysta dokonał czegoś niespotykanego: malował także powietrze przesiąknięte wilgotnymi oparami i spowijające postać przezroczystą mgłą.

Najsłynniejszy, badany i wielokrotnie opisywany we wszystkich językach świata „La Gioconda” do dziś pozostaje najbardziej tajemniczym obrazem wielkiego da Vinci. Wciąż pozostaje niezrozumiały i od kilku stuleci nie przestaje niepokoić wyobraźni, może właśnie dlatego, że nie jest to portret w potocznym znaczeniu tego słowa. Leonardo da Vinci napisał go wbrew samej koncepcji „portretu”, która zakłada wizerunek rzeczywistej osoby, podobnej do oryginału i posiadającej cechy ją charakteryzujące (przynajmniej pośrednio).
To, co namalował artysta, wykracza daleko poza prosty portret. Każdy odcień skóry, każdy fałd ubrania, ciepły blask oczu, życie tętnic i żył – to wszystko artysta wyposażył w swoje malarstwo. Ale przed widzem w tle pojawia się także stromy łańcuch skał z oblodzonymi szczytami u podnóża gór, tafla wody, z której wypływa szeroka i kręta rzeka, która zwężając się pod mostkiem, skręca w miniaturowy wodospad, znikający poza obrazem.

Złociste, ciepłe światło włoskiego wieczoru i magiczny urok obrazów Leonarda da Vinci zalewają widza. Uważnie, wszystko rozumiejąc, „La Gioconda” patrzy na świat i ludzi. Od chwili stworzenia przez artystę minęło ponad stulecie, a za ostatnim dotknięciem pędzla Leonarda stało się ono wiecznie żywe. On sam od dawna czuł, że Mona Lisa żyła wbrew jego woli.

Jak pisze krytyk sztuki W. Lipatow:
„La Gioconda” była kopiowana wielokrotnie i zawsze bezskutecznie: była nieuchwytna, na cudzym płótnie nawet w najmniejszym stopniu nie występowała, pozostając wierna swemu twórcy.
Próbowali ją rozerwać, zabrać i powtórzyć przynajmniej jej wieczny uśmiech, ale na obrazach jej uczniów i naśladowców uśmiech przygasł, stał się fałszywy, umarł jak istota uwięziona w niewoli.”
Rzeczywiście, żadna reprodukcja nie odda nawet jednej tysięcznej uroku, jaki płynie z portretu.

Hiszpański filozof Ortega y Gasset napisał, że w La Giocondzie można odczuć pragnienie wewnętrznego wyzwolenia:
„Patrzcie, jak napięte są jej skronie i gładko wygolone brwi, jak mocno zaciśnięte są usta, z jakim ukrytym wysiłkiem stara się unieść ciężar melancholijnego smutku. Jednak to napięcie jest na tyle niewyczuwalne, cała jej postać oddycha takim wdzięcznym spokojem, a cała jej istota wypełniona jest takim bezruchem, że ten wewnętrzny wysiłek jest raczej odgadnięty przez widza niż świadomie wyrażony przez mistrza. Wije się, gryzie ogon jak wąż, a kończąc ruch po okręgu, dając w końcu upust rozpaczy, objawia się słynnym uśmiechem Mony Lisy.

Wyjątkowa „La Giaconda” Leonarda da Vinci o wiele stuleci wyprzedziła rozwój malarstwa i próbując wyjaśnić tajemnicę jej czarodziejskiego uroku, napisano o obrazie niezliczone ilości. Przyjęli najbardziej niewiarygodne założenia (że „La Gioconda” jest w ciąży, że jest przekrzywiona, że to mężczyzna w przebraniu, że to autoportret samego artysty), ale mało prawdopodobne, że kiedykolwiek tak się stanie można w pełni wyjaśnić, dlaczego to dzieło, stworzone przez Leonarda w jego schyłkowym wieku, ma tak niesamowitą i atrakcyjną siłę.Bo to płótno jest dziełem prawdziwie boskiej, a nie ludzkiej ręki.
„Sto wielkich obrazów” N.A. Ionina, Wydawnictwo Veche, 2002

Sztuka włoska XV i XVI wieku
Obraz Leonarda da Vinci „Mona Lisa” lub „La Gioconda”. Obraz o wymiarach 77 x 53 cm, drewno, olej. Około 1503 roku Leonardo rozpoczął pracę nad portretem Mony Lisy, żony bogatego florenckiego Francesco Giocondo. Dzieło to, znane szerokiej publiczności pod nazwą „La Gioconda”, spotkało się z entuzjastycznym przyjęciem ze strony współczesnych. Sława obrazu była tak wielka, że powstały wokół niego legendy. Poświęcono mu ogromną literaturę, z której większość daleka jest od obiektywnej oceny twórczości Leonarda. Nie sposób nie przyznać, że dzieło to, jako jeden z nielicznych zabytków sztuki światowej, ma naprawdę ogromną siłę przyciągania. Ale ta cecha obrazu nie jest związana z ucieleśnieniem jakiejś tajemniczej zasady ani z innymi podobnymi wynalazkami, ale rodzi się z jego niesamowitej głębi artystycznej.

Portret Leonarda da Vinci „Mona Lisa” jest zdecydowanym krokiem w kierunku rozwoju renesansowej sztuki portretowej. Choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie wiele znaczących dzieł tego gatunku, ich osiągnięcia w portrecie były, że tak powiem, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarstwa – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretu znalazła już odzwierciedlenie w samej „ikonografii” obrazów portretowych. Rzeczywiste dzieła portretowe XV wieku, mimo niezaprzeczalnego podobieństwa fizjonomicznego i emanującego z nich poczucia wewnętrznej siły, wyróżniały się także przymusem zewnętrznym i wewnętrznym. Całe bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, charakteryzujące biblijne i mitologiczne wizerunki malarzy XV wieku, zwykle nie było własnością ich dzieł portretowych. Echa tego widać we wcześniejszych portretach Leonarda da Vinci, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. Są to „Portret damy z gronostajem” (ok. 1483 r.; Kraków, Muzeum Narodowe), przedstawiający Cecylię Gallearani, kochankę Lodovico Moro oraz portret muzyka (ok. 1485 r.; Mediolan, Biblioteka Ambrozjańska).

Dla porównania portret Mony Lisy postrzegany jest jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy pod względem znaczenia dorównał najbardziej uderzającym obrazom innych gatunków malarskich. Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka, jakby z ogromnej góry, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie wywołuje kontrast wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi. Ale przede wszystkim przyciąga nas wygląd samej Mony Lisy – jej niezwykłe spojrzenie, jakby nierozerwalnie podążające za widzem, promieniujące inteligencją i wolą oraz subtelny uśmiech, którego znaczenie zdaje się nam umykać – ta nieuchwytność wprowadza w obraz jest odcieniem niewyczerpaności i nieskończonego bogactwa.

Stara wersja obrazu „Mona Lisa” na naszej stronie (z 2004 r.)

W całej sztuce światowej niewiele jest portretów dorównujących obrazowi „Mona Lisa” pod względem siły wyrazu ludzkiej osobowości, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. To niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od portretów Quattrocento. Ta cecha jego twórczości jest tym dotkliwiej dostrzegana, że nawiązuje do portretu kobiecego, w którym charakter modelki ujawniał się wcześniej w zupełnie innej, przeważnie lirycznej, figuratywnej tonacji. Poczucie siły emanujące z obrazu „Mona Lisa” to organiczne połączenie wewnętrznego spokoju i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii człowieka, opartej na jego świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości czy pogardy; jest postrzegany jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli. Ale malarstwo Mony Lisy ucieleśnia nie tylko racjonalną zasadę - jej wizerunek przepełniony jest wysoką poezją, którą odczuwamy zarówno w jej nieuchwytnym uśmiechu, jak i w tajemnicy na wpół fantastycznego krajobrazu rozwijającego się za nią.

Współcześni zachwycali się uderzającym podobieństwem i niezwykłą żywotnością portretu osiągniętego przez artystę. Ale jego znaczenie jest znacznie szersze: wielki malarz Leonardo da Vinci był w stanie wprowadzić do obrazu taki stopień uogólnienia, że pozwala nam uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Poczucie uogólnienia odbija się we wszystkich elementach malarskiego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w sposobie, w jaki lekki, przezroczysty welon, okrywający głowę i ramiona Mony Lisy, łączy starannie zaczesane kosmyki włosów i drobne fałdy sukienka w ogólnie gładki kontur; to uczucie tkwi w niezrównanej miękkości wymodelowania twarzy (na której zgodnie z ówczesną modą usunięto brwi) i pięknych, gładkich dłoniach. Modelowanie to wywołuje tak silne wrażenie żywej fizyczności, że Vasari napisał, że widać było pulsowanie w zagłębieniu szyi Mony Lisy. Jednym ze sposobów na uzyskanie tak subtelnych niuansów plastycznych było charakterystyczne dla Leonarda „sfumato” - subtelna mgiełka otaczająca twarz i sylwetkę, łagodząca kontury i cienie. W tym celu Leonardo da Vinci zaleca umieszczenie, jak to określa, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami. Prymat modelowania światła i cienia odczuwalny jest także w podporządkowanej kolorystyce obrazu. Podobnie jak wiele dzieł Leonarda da Vinci, ten obraz z biegiem czasu pociemniał, a jego relacje kolorystyczne nieco się zmieniły, ale nawet teraz przemyślane zestawienia odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodnym” odcieniem krajobraz jest wyraźnie dostrzegalny.

„Z medycznego punktu widzenia nie jest jasne, jak ta kobieta w ogóle żyła”.

Jej tajemniczy uśmiech urzeka. Niektórzy widzą w tym boskie piękno, inni postrzegają to jako tajne znaki, a jeszcze inni postrzegają to jako wyzwanie dla norm i społeczeństwa. Ale wszyscy są zgodni co do jednego – jest w niej coś tajemniczego i atrakcyjnego. Mowa oczywiście o Mona Lisie – ulubionym dziele wielkiego Leonarda. Portret bogaty w mitologię. Jaki jest sekret Mony Lisy? Istnieje niezliczona ilość wersji. Wybraliśmy dziesięć najpopularniejszych i najbardziej intrygujących.

Dziś obraz ten o wymiarach 77x53 cm przechowywany jest w Luwrze za grubym, kuloodpornym szkłem. Obraz wykonany na desce topolowej pokryty jest siecią spękań. Przeszedł wiele niezbyt udanych renowacji i przez pięć stuleci wyraźnie pociemniał. Jednak im starszy jest obraz, tym więcej przyciąga ludzi: Luwr odwiedza rocznie 8–9 milionów osób.

A sam Leonardo nie chciał rozstać się z Moną Lisą i być może jest to pierwszy raz w historii, kiedy autor nie oddał dzieła klientowi, mimo że pobrał za to wynagrodzenie. Portretem zachwycił się także pierwszy właściciel obrazu – po autorze – król Francji Franciszek I. Kupił go od da Vinci za niewiarygodne wówczas pieniądze – 4000 złotych monet i umieścił w Fontainebleau.

Napoleon również był zafascynowany Madame Lisą (jak nazywał Giocondę) i zabrał ją do swoich komnat w Pałacu Tuileries. A Włoch Vincenzo Perugia ukradł w 1911 roku arcydzieło z Luwru, zabrał je do domu i ukrywał się u niej przez całe dwa lata, aż do zatrzymania przy próbie przekazania obrazu dyrektorowi Galerii Uffizi... Jednym słowem: portret florenckiej damy przez cały czas przyciągał, hipnotyzował i zachwycał. ..

Jaki jest sekret jej atrakcyjności?

Wersja nr 1: klasyczna

Pierwszą wzmiankę o Mona Lisie znajdziemy u autora słynnych Żywotów, Giorgio Vasariego. Z jego twórczości dowiadujemy się, że Leonardo podjął się „wykonania dla Francesco del Giocondo portretu Mony Lisy, jego żony, a po czterech latach pracy nad nim pozostawił go niedokończonego”.

Pisarz podziwia kunszt artysty, umiejętność ukazywania „najdrobniejszych szczegółów, jakie potrafi przekazać subtelność malarstwa”, a co najważniejsze, uśmiech, który „jest tak przyjemny, że sprawia wrażenie, jakby kontemplowano boskość, a nie bóstwo”. istota ludzka." Historyk sztuki wyjaśnia tajemnicę jej uroku, stwierdzając, że „malując portret, on (Leonardo) trzymał ludzi grających na lirze lub śpiewających, a zawsze byli też błazny, którzy ją pocieszali i usuwali melancholię, jaką malarstwo zwykle wnosi portrety są malowane.” Nie ma wątpliwości: Leonardo jest niedoścignionym mistrzem, a koroną jego mistrzostwa jest ten boski portret. W obrazie jego bohaterki istnieje dwoistość związana z samym życiem: skromność pozy łączy się z odważnym uśmiechem, który staje się swego rodzaju wyzwaniem dla społeczeństwa, kanonów, sztuki...

Ale czy to naprawdę żona handlarza jedwabiem Francesco del Giocondo, którego nazwisko stało się drugim imieniem tej tajemniczej damy? Czy to prawda, że historia o muzykach, którzy stworzyli odpowiedni nastrój naszej bohaterce? Sceptycy kwestionują to wszystko, powołując się na fakt, że Vasari miał 8 lat, gdy zmarł Leonardo. Nie mógł osobiście znać artysty ani jego modela, dlatego przedstawił jedynie informacje podane przez anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda. Tymczasem pisarz napotyka także kontrowersyjne fragmenty w innych biografiach. Weźmy na przykład historię złamanego nosa Michała Anioła. Vasari pisze, że Pietro Torrigiani uderzył kolegę z klasy ze względu na swój talent, a Benvenuto Cellini tłumaczy tę urazę swoją arogancją i bezczelnością: kopiując freski Masaccio, podczas lekcji wyśmiewał każdy obraz, za co otrzymał od Torrigianiego cios w nos. Wersję Celliniego potwierdza złożona postać Buonarrotiego, o którym krążyły legendy.

Wersja nr 2: Matka Chińska

To naprawdę istniało. Włoscy archeolodzy twierdzą nawet, że odnaleźli jej grób w klasztorze św. Urszuli we Florencji. Ale czy ona jest na zdjęciu? Wielu badaczy twierdzi, że Leonardo namalował portret z kilku modeli, ponieważ kiedy odmówił oddania obrazu handlarzowi tkanin Giocondo, pozostał on niedokończony. Mistrz całe życie ulepszał swoje dzieło, dodając elementy z innych modeli – uzyskując w ten sposób zbiorowy portret idealnej kobiety swojej epoki.

Włoski naukowiec Angelo Paratico poszedł dalej. Jest pewien, że Mona Lisa to matka Leonarda, który w rzeczywistości był… Chińczykiem. Badacz spędził 20 lat na Wschodzie, badając powiązania lokalnych tradycji z włoskim renesansem i odkrył dokumenty wskazujące, że ojciec Leonarda, notariusz Piero, miał bogatego klienta, a on miał niewolnika, którego sprowadził z Chin. Miała na imię Katerina - została matką geniusza renesansu. To właśnie fakt, że w żyłach Leonarda płynęła wschodnia krew, badacz wyjaśnia słynne „pismo Leonarda” – umiejętność pisania przez mistrza od prawej do lewej (tak dokonywano wpisów w jego pamiętnikach). Badacz dostrzegł także orientalne rysy na twarzy modelki i w krajobrazie za nią. Paratico sugeruje ekshumację szczątków Leonarda i przetestowanie jego DNA, aby potwierdzić jego teorię.

Oficjalna wersja mówi, że Leonardo był synem notariusza Piero i „miejscowej wieśniaczki” Kateriny. Nie mógł poślubić kobiety pozbawionej korzeni, ale wziął za żonę dziewczynę z rodziny szlacheckiej z posagiem, która okazała się jednak bezpłodna. Katerina wychowywała dziecko przez kilka pierwszych lat jego życia, a następnie ojciec przyjął syna do swojego domu. Prawie nic nie wiadomo o matce Leonarda. Ale rzeczywiście istnieje opinia, że artysta, oddzielony od matki we wczesnym dzieciństwie, przez całe życie próbował odtworzyć na swoich obrazach wizerunek i uśmiech swojej matki. Założenie to przyjął Zygmunt Freud w swojej książce „Wspomnienia z dzieciństwa. Leonardo da Vinci” i zyskała wielu zwolenników wśród historyków sztuki.

Wersja nr 3: Mona Lisa jest mężczyzną

Widzowie często zauważają, że na wizerunku Mony Lisy, pomimo całej delikatności i skromności, jest pewien rodzaj męskości, a twarz młodej modelki, niemal pozbawiona brwi i rzęs, wydaje się chłopięca. Słynny badacz Mony Lisy, Silvano Vincenti, uważa, że to nie przypadek. Jest pewien, że Leonardo pozował… jako młody mężczyzna w kobiecej sukni. A to nie kto inny jak Salai – uczeń da Vinci, którego namalował na obrazach „Jan Chrzciciel” i „Anioł w ciele”, gdzie młody człowiek obdarzony jest tym samym uśmiechem co Mona Lisa. Historyk sztuki doszedł jednak do takiego wniosku nie tylko ze względu na zewnętrzne podobieństwo modeli, ale po przestudiowaniu zdjęć w wysokiej rozdzielczości, które pozwoliły zobaczyć Vincentiego w oczach modelki L i S – pierwszych liter – zdaniem biegłego – nazwiska autora obrazu i ukazanego na nim młodzieńca.

„Jan Chrzciciel” Leonarda Da Vinci (Luwr)

Za tą wersją przemawia także szczególna relacja – o której także wspomniał Vasari – pomiędzy modelką a artystą, która być może łączyła Leonarda i Salaia. Da Vinci nie był żonaty i nie miał dzieci. Jednocześnie istnieje dokument donosowy, w którym anonimowa osoba oskarża artystę o sodomię wobec pewnego 17-letniego chłopca Jacopo Saltarelliego.

Według wielu badaczy Leonardo miał kilku uczniów, a z niektórymi z nich był więcej niż blisko. Freud omawia także homoseksualizm Leonarda, potwierdzając tę wersję psychiatryczną analizą jego biografii i pamiętnika geniusza renesansu. Notatki Da Vinci na temat Salai są również uważane za argument na korzyść. Istnieje nawet wersja, że da Vinci pozostawił portret Salaia (ponieważ obraz jest wymieniony w testamencie ucznia mistrza), i od niego obraz trafił do Franciszka I.

Nawiasem mówiąc, ten sam Silvano Vincenti wysunął jeszcze jedno założenie: że obraz przedstawia pewną kobietę z orszaku Ludwika Sforzy, na którego dworze w Mediolanie Leonardo pracował w latach 1482–1499 jako architekt i inżynier. Wersja ta pojawiła się po tym, jak Vincenti zobaczył na odwrocie płótna cyfry 149. Jest to według badacza data namalowania obrazu, jedynie ostatnia cyfra została wymazana. Tradycyjnie uważa się, że mistrz zaczął malować Giocondę w 1503 roku.

Kandydatek do tytułu Mony Lisy konkurujących z Salaiem jest jednak wielu innych: są to Isabella Gualandi, Ginevra Benci, Constanza d'Avalos, libertynka Caterina Sforza, pewna tajemnicza kochanka Lorenza de' Medici, a nawet pielęgniarka Leonarda.

Wersja nr 4: Gioconda to Leonardo

Kolejna nieoczekiwana teoria, na którą nawiązał Freud, znalazła potwierdzenie w badaniach Amerykanki Lillian Schwartz. Lilian jest pewna, że Mona Lisa to autoportret. Artystka i konsultantka graficzna w School of Visual Arts w Nowym Jorku w latach 80. XX wieku, porównała słynny „Autoportret Turyński” autorstwa artysty w średnim wieku z portretem Mony Lisy i stwierdziła, że proporcje twarzy ( kształt głowy, rozstaw oczu, wysokość czoła) były takie same.

A w 2009 roku Lilian wraz z historyczką-amatorką Lynn Picknett sprawiły społeczeństwu kolejną niesamowitą sensację: twierdzi, że Całun Turyński to nic innego jak odcisk twarzy Leonarda wykonany przy użyciu siarczanu srebra przy użyciu zasady Camera obscura.

Jednak niewielu wspierało Lilian w jej badaniach – teorie te nie należą do najpopularniejszych, wbrew poniższemu założeniu.

Wersja nr 5: arcydzieło z zespołem Downa

Gioconda cierpiał na chorobę Downa – do takiego wniosku doszedł w latach 70. angielski fotograf Leo Vala, gdy wymyślił sposób na „obrócenie” Mony Lisy z profilu.

W tym samym czasie duński lekarz Finn Becker-Christiansson zdiagnozował u Giocondy wrodzone porażenie twarzy. Jego zdaniem asymetryczny uśmiech mówi o odchyleniach psychicznych, aż do idiotyzmu włącznie.

W 1991 roku francuski rzeźbiarz Alain Roche postanowił ucieleśnić Mona Lisę w marmurze, ale nie wyszło. Okazało się, że z fizjologicznego punktu widzenia wszystko w modelu jest nie tak: twarz, ramiona i ramiona. Następnie rzeźbiarz zwrócił się do fizjologa, profesora Henri Greppo, i pozyskał specjalistę mikrochirurgii ręki, Jean-Jacquesa Conte. Wspólnie doszli do wniosku, że prawa ręka tajemniczej kobiety nie spoczywała na lewej, bo prawdopodobnie była krótsza i mogła powodować skurcze. Wniosek: prawa połowa ciała modelki jest sparaliżowana, co oznacza, że tajemniczy uśmiech to także tylko spazm.

Ginekolog Julio Cruz y Hermida zebrał pełną „dokumentację medyczną” Giocondy w swojej książce „Spojrzenie na Giocondę oczami lekarza”. Rezultatem był tak straszny obraz, że nie jest jasne, jak ta kobieta w ogóle żyła. Według różnych badaczy cierpiała na łysienie (wypadanie włosów), wysoki poziom cholesterolu we krwi, odsłonięcie szyjek zębów, ich rozluźnienie i utratę, a nawet alkoholizm. Miała chorobę Parkinsona, tłuszczaka (łagodny guz tłuszczowy na prawym ramieniu), zeza, zaćmę i heterochromię tęczówki (różne kolory oczu) oraz astmę.

Kto jednak powiedział, że Leonardo był anatomicznie dokładny – a co jeśli tajemnica geniuszu tkwi właśnie w tej dysproporcji?

Wersja nr 6: dziecko pod sercem

Istnieje inna polarna wersja „medyczna” - ciąża. Amerykański ginekolog Kenneth D. Keel jest pewien, że Mona Lisa odruchowo skrzyżowała ręce na brzuchu, próbując chronić swoje nienarodzone dziecko. Prawdopodobieństwo jest wysokie, ponieważ Lisa Gherardini miała pięcioro dzieci (nawiasem mówiąc, pierworodny miał na imię Pierrot). Wskazówkę o słuszności tej wersji można znaleźć w tytule portretu: Ritratto di Monna Lisa del Giocondo (włoski) - „Portret pani Lisy Giocondo”. Monna to skrót od ma donna – Madonna, Matka Boża (choć oznacza także „moją panią”, panią). Krytycy sztuki często wyjaśniają geniusz obrazu właśnie dlatego, że przedstawia ziemską kobietę na obraz Matki Bożej.

Wersja nr 7: ikonograficzna

Popularna jest jednak teoria, że Mona Lisa jest ikoną, w której ziemska kobieta zajęła miejsce Matki Bożej, jest popularna sama w sobie. Na tym polega geniusz dzieła i dlatego stało się ono symbolem początku nowej ery w sztuce. Wcześniej sztuka służyła kościołowi, rządowi i szlachcie. Leonardo udowadnia, że ponad tym wszystkim stoi artysta, że najcenniejsza jest twórcza idea mistrza. A świetnym pomysłem jest ukazanie dwoistości świata, a środkiem do tego jest wizerunek Mony Lisy, która łączy w sobie piękno boskie i ziemskie.

Wersja nr 8: Leonardo - twórca 3D

To połączenie zostało osiągnięte dzięki specjalnej technice wymyślonej przez Leonarda - sfumato (z włoskiego - „znikający jak dym”). To właśnie ta technika malowania, polegająca na nakładaniu farb warstwa po warstwie, pozwoliła Leonardo stworzyć na obrazie perspektywę powietrzną. Artysta nałożył ich niezliczoną ilość warstw, a każda z nich była niemal przezroczysta. Dzięki tej technice światło odbija się i rozprasza na płótnie w różny sposób, w zależności od kąta patrzenia i kąta padania światła. Dlatego wyraz twarzy modelki ciągle się zmienia.

Badacze dochodzą do wniosku. Kolejny przełom techniczny geniusza, który przewidział i próbował wdrożyć wiele wynalazków, które wdrożono wieki później (samolot, czołg, kombinezon do nurkowania itp.). Świadczy o tym wersja portretu przechowywana w Muzeum Prado w Madrycie, namalowana albo przez samego da Vinci, albo przez jego ucznia. Przedstawia ten sam model - tylko kąt jest przesunięty o 69 cm, dlatego eksperci uważają, że poszukiwano pożądanego punktu na obrazie, który da efekt 3D.

Wersja nr 9: tajne znaki

Sekretne znaki to ulubiony temat badaczy Mony Lisy. Leonardo to nie tylko artysta, to inżynier, wynalazca, naukowiec, pisarz i zapewne w swoim najlepszym obrazie zaszyfrował jakieś uniwersalne tajemnice. Najbardziej odważna i niesamowita wersja została wyrażona w książce, a następnie w filmie „Kod Da Vinci”. Jest to oczywiście powieść obyczajowa. Jednak badacze nieustannie wyciągają równie fantastyczne założenia w oparciu o pewne symbole znalezione na obrazie.

Wiele spekulacji wynika z faktu, że istnieje inny ukryty wizerunek Mony Lisy. Na przykład postać anioła lub pióro w rękach modelki. Istnieje również interesująca wersja Walerija Czudinowa, który odkrył w Mona Lisie słowa Yara Mara - imię rosyjskiej pogańskiej bogini.

Wersja nr 10: krajobraz przycięty

Wiele wersji nawiązuje także do krajobrazu, na tle którego ukazana jest Mona Lisa. Badacz Igor Ladov odkrył w nim cykliczność: wydaje się, że warto narysować kilka linii, aby połączyć krawędzie krajobrazu. Do złożenia wszystkiego brakuje zaledwie kilku centymetrów. Ale w wersji obrazu z Muzeum Prado znajdują się kolumny, które najwyraźniej były również w oryginale. Nikt nie wie, kto przyciął zdjęcie. Jeśli je zwrócisz, obraz rozwinie się w cykliczny pejzaż, który symbolizuje fakt, że życie ludzkie (w sensie globalnym) jest zaczarowane, tak jak wszystko w przyrodzie...

Wydaje się, że wersji rozwiązania zagadki Mony Lisy jest tyle, ilu ludzi próbuje zgłębić to arcydzieło. Było miejsce na wszystko: od zachwytu nad nieziemskim pięknem po uznanie kompletnej patologii. Każdy odnajduje w Mona Lisie coś swojego i być może właśnie tu manifestuje się wielowymiarowość i semantyczna wielowarstwowość płótna, która daje każdemu możliwość uruchomienia wyobraźni. Tymczasem tajemnica Mony Lisy pozostaje własnością tej tajemniczej pani, z lekkim uśmiechem na ustach...

Mona Lisa wielkiego Leonarda da Vinci, zwana także La Giocondą, to jedno z najbardziej tajemniczych dzieł w historii sztuki. Od kilku stuleci nie ucichły spory co do tego, kto właściwie jest przedstawiony na portrecie. Według różnych wersji jest to żona florenckiego kupca, transwestyta w kobiecym przebraniu, matka artysty i wreszcie sam artysta przebrany za kobietę... Ale to tylko część tajemnic związanych z obrazem .

„Mona Lisa” to nie „La Gioconda”?

Przyjmuje się, że obraz powstał około 1503-1505 roku. Wzorem dla niej, według oficjalnej wersji, był współczesny wielkiemu malarzowi z domu Lisa di Antonio Maria di Noldo Gherardini, którego portret rzekomo zamówił jej mąż, florencki handlarz jedwabiem Francesco del Giocondo. Pełna nazwa płótna to „Ritratto di Monna Lisa del Giocondo” - „Portret pani Lisy Giocondo”. Gioconda (la Gioconda) oznacza także „wesoły, bawiący się”. Więc może to pseudonim, a nie nazwisko.

Wśród historyków sztuki krążą jednak pogłoski, że słynna „Mona Lisa” Leonarda da Vinci i jego „La Gioconda” to dwa zupełnie różne obrazy.

Faktem jest, że żaden ze współczesnych wielkiego malarza nie widział ukończonego portretu. Giorgio Vasari w swojej książce Życie artystów twierdzi, że Leonardo pracował nad obrazem przez cztery lata, ale nigdy nie udało mu się go ukończyć. Jednak portret wystawiony obecnie w Luwrze jest całkowicie ukończony.

Inny artysta, Raphael, zeznaje, że widział Giocondę w pracowni da Vinci. Naszkicował portret. Modelka pozuje na nim pomiędzy dwiema greckimi kolumnami. Na znanym portrecie nie ma kolumn. Sądząc po źródłach, La Gioconda była też większa od znanej nam oryginalnej Mona Lisy. Ponadto istnieją dowody na to, że niedokończone płótno zostało przekazane klientowi - mężowi modelki, florenckiemu biznesmenowi Francesco del Giocondo. Potem przekazywano to z pokolenia na pokolenie.

Portret, zwany „Moną Lisą”, rzekomo przedstawia ulubieńca księcia Giuliano de’ Medici, Konstancję d’Avalos. W 1516 roku artysta przywiózł to płótno ze sobą do Francji. Do śmierci da Vinci obraz znajdował się w jego posiadłości niedaleko Amboise. W 1517 roku trafił do kolekcji króla Francji Franciszka I. Obecnie można go oglądać w Luwrze.

W 1914 roku brytyjski handlarz antykami kupił na targu odzieżowym w mieście Bass wizerunek Mony Lisy za zaledwie kilka gwinei, uznając go za udaną kopię dzieła Leonarda. Następnie portret ten stał się znany jako „Aiuor Mona Lisa”. Wygląda na niedokończoną, z dwiema greckimi kolumnami w tle, zupełnie jak we wspomnieniach Rafaela.

Następnie płótno trafiło do Londynu, gdzie w 1962 roku zostało zakupione przez syndykat szwajcarskich bankierów.

Czy naprawdę istnieją takie podobieństwa między dwiema różnymi kobietami, że są one mylone? A może jest tylko jeden obraz, a drugi to tylko kopia wykonana przez nieznanego artystę?

Ukryty obraz

Swoją drogą, niedawno francuski ekspert Pascal Cotte ogłosił, że pod warstwą farby na obrazie kryje się inny wizerunek, prawdziwa Lisa Gherardini. Doszedł do tego wniosku po dziesięciu latach studiowania portretu przy użyciu opracowanej przez siebie technologii opartej na odbiciu promieni świetlnych.

Według naukowca udało się „rozpoznać” drugi portret pod Moną Lisą. Przedstawia także kobietę, która siedzi dokładnie w tej samej pozycji co Mona Lisa, jednak w przeciwieństwie do tej ostatniej patrzy lekko w bok i nie uśmiecha się.

Fatalny uśmiech

A słynny uśmiech Mony Lisy? Jakie hipotezy na ten temat nie zostały wysunięte! Niektórym wydaje się, że Gioconda w ogóle się nie uśmiecha, innym, że nie ma zębów, a jeszcze innym wydaje się, że w jej uśmiechu jest coś złowrogiego...

Już w XIX wieku francuski pisarz Stendhal zauważył, że po długim podziwianiu obrazu doznał niewytłumaczalnej utraty sił... Pracownicy Luwru, gdzie obecnie wisi obraz, mówią, że widzowie często mdleją przed Mona Lisa. Ponadto pracownicy muzeum zauważyli, że gdy publiczność nie jest wpuszczana do sali, obraz wydaje się blaknąć, ale gdy tylko pojawiają się zwiedzający, kolory wydają się jaśniejsze, a tajemniczy uśmiech pojawia się wyraźniej... Parapsycholodzy wyjaśniają fenomen, mówiąc, że „La Gioconda” to obraz – wampir, ona pije siłę życiową człowieka… To jednak tylko przypuszczenia.

Kolejną próbę rozwiązania zagadki podjęli Nitz Zebe z Uniwersytetu w Amsterdamie i jego amerykańscy koledzy z Uniwersytetu Illinois. Wykorzystali specjalny program komputerowy, który porównał wizerunek ludzkiej twarzy z bazą danych ludzkich emocji. Komputer dał rewelacyjne wyniki: okazuje się, że na twarzy Mony Lisy wyczytano skrajnie mieszane uczucia, a spośród nich tylko 83% to szczęście, 9% to wstręt, 6% strach i 2% złość...

Tymczasem włoscy historycy odkryli, że jeśli spojrzy się na oczy Mony Lisy pod mikroskopem, niektóre litery i cyfry stają się widoczne. Zatem w prawym oku widać litery LV, które jednak mogą oznaczać tylko inicjały imienia Leonardo da Vinci. Nie udało się jeszcze rozpoznać symboli w lewym oku: ani liter CE, ani B...

W łuku mostu znajdującym się w tle obrazu „pościeruje się” liczba 72, chociaż istnieją inne wersje, na przykład, że jest to 2 lub litera L... Na płótnie widoczna jest również liczba 149 (czwórka została usunięta). Może to wskazywać na rok powstania obrazu – 1490 lub późniejszy…

Tak czy inaczej, tajemniczy uśmiech Giocondy na zawsze pozostanie przykładem najwyższej sztuki. Przecież boski Leonardo był w stanie stworzyć coś, co będzie ekscytować potomków przez wiele, wiele stuleci...

Spędził nad nim sporo czasu i w wieku dorosłym opuszczając Włochy, zabrał go ze sobą do Francji, wśród kilku innych wybranych obrazów. Da Vinci darzył ten portret szczególnym sentymentem, a także wiele myślał w trakcie jego powstawania; w „Traktacie o malarstwie” oraz w owych notatkach o technikach malarskich, które się w nim nie znalazły, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie odnoszą się do „La Giocondy””.

Wiadomość Vasariego

„Studio Leonarda da Vinci” na rycinie z 1845 r.: Giocondę bawią błazny i muzycy

Ten rysunek z kolekcji Hyde'a w Nowym Jorku może być autorstwa Leonarda da Vinci i stanowi wstępny szkic portretu Mony Lisy. W tym przypadku ciekawe, że początkowo zamierzał złożyć w jej rękach wspaniałą gałąź.

Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał historię o błaznach, aby zabawić czytelników. W tekście Vasariego znajduje się także dokładny opis brakujących na obrazie brwi. Ta niedokładność mogła powstać tylko wtedy, gdy autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych osób. Aleksiej Dżiwelegow pisze, że stwierdzenie Vasariego, że „prace nad portretem trwały cztery lata, jest wyraźnie przesadzone: Leonardo po powrocie z Cezara Borgii nie przebywał we Florencji tak długo, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari prawdopodobnie powiedziałbym, że pisał to przez pięć lat.” Naukowiec pisze także o błędnym wskazaniu niedokończonego charakteru portretu – „malowanie portretu niewątpliwie trwało długo i zostało ukończone, niezależnie od tego, co mówił Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artystę, który w w zasadzie nie mógł dokończyć żadnej większej pracy. I nie tylko został ukończony, ale jest jednym z najstaranniej ukończonych dzieł Leonarda.

Ciekawostką jest to, że Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo modela do obrazu. Wydaje się, że właśnie ta „fizyczna” cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na osobach odwiedzających pracownię artysty i dotarła do Vasariego prawie pięćdziesiąt lat później.

Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, choć Leonardo w 1516 roku opuścił Włochy i udał się do Francji, zabierając obraz ze sobą. Według źródeł włoskich znajdował się on od tego czasu w kolekcji króla Francji Franciszka I, nie jest jednak jasne, kiedy i w jaki sposób go nabył oraz dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.

Inny

Być może artysta rzeczywiście nie dokończył obrazu we Florencji, lecz zabrał go ze sobą wyjeżdżając w 1516 roku i wykonał ostatnią kreskę pod nieobecność świadków, którzy mogliby o tym opowiedzieć Vasariemu. Jeśli tak, ukończył ją na krótko przed śmiercią w 1519 roku. (We Francji mieszkał w Clos Luce, niedaleko zamku królewskiego w Amboise).

Choć Vasari podaje informacje na temat tożsamości kobiety, przez długi czas panowała co do niej niepewność i wyrażano wiele wersji:

O prawidłowej identyfikacji modelu Mony Lisy świadczyła notatka na marginesie.

Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki

Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modelki w 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu zbadali notatki znajdujące się na marginesach księgi, której właścicielem był florencki urzędnik, osobisty znajomy artysty Agostino Vespucciego. W notatkach na marginesach książki porównuje Leonarda ze słynnym starożytnym greckim malarzem Apellesem i zauważa, że „da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”. Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisą Gherardini. Obraz, jak dowodzą w tym przypadku uczeni, został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna, imieniem Andrea.

Obraz

Opis

Kopia Mony Lisy z kolekcji Wallace'a (Baltimore) została wykonana przed przycięciem krawędzi oryginału i pozwala zobaczyć utracone kolumny

Prostokątny obraz przedstawia kobietę w ciemnym ubraniu, odwróconą do połowy. Siedzi na krześle ze splecionymi rękami, jedną ręką opierając się na podłokietniku, drugą na górze, obracając się na krześle niemal twarzą do widza. Włosy z przedziałkiem, gładko i płasko układające się, widoczne przez narzucony na nie przezroczysty welon (według niektórych założeń – atrybut wdowieństwa), opadają na ramiona w dwóch cienkich, lekko falujących pasmach. Zielona sukienka w cienkie falbany, z żółtymi plisowanymi rękawami, wycięta na białej, niskiej piersi. Głowa jest lekko obrócona.

Fragment Mona Lisy z pozostałościami podstawy kolumny

Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, zatem portret jest niemal w połowie długości. Krzesło, na którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub loggii, której linia parapetu jest widoczna za jej łokciami. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i pomieścić dwie boczne kolumny loggii, z których obecnie znajdują się dwie podstawy kolumn, których fragmenty są widoczne wzdłuż krawędzi attyki.

Loggia wychodzi na opuszczoną pustynię z wijącymi się strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami, które rozciągają się na wysoką panoramę za postacią. „Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka niczym potężna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie wywołuje kontrast wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi.

Kompozycja

Portret Giocondy jest jednym z najlepszych przykładów gatunku portretu włoskiego renesansu.

Boris Vipper pisze, że pomimo śladów Quattrocento „w swoim ubraniu z małym wycięciem na piersi i rękawami w luźnych fałdach, podobnie jak przy wyprostowanej postawie, lekkim skręcie ciała i delikatnym geście rąk, Mona Lisa należy w całości do epoki stylu klasycznego.” Michaił Ałpatow zauważa, że „Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy pewną całość, złożone dłonie nadają jej obrazowi pełnię. Oczywiście nie mogło być mowy o fantazyjnych lokach wczesnego „Zwiastowania”. Jednak niezależnie od tego, jak złagodzone są wszystkie kontury, faliste pasmo włosów Mony Lisy współgra z przezroczystym welonem, a wiszący materiał przerzucony przez ramię odnajduje echo w gładkich zakrętach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo demonstruje umiejętność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.”

Stan aktulany

„Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik wrodzonej skłonności autora do eksperymentowania z farbami, przez co fresk „Ostatnia wieczerza” praktycznie umarł. Współcześni artyście potrafili jednak wyrazić swój zachwyt nie tylko kompozycją, projektem i grą światłocienia – ale także kolorystyką dzieła. Zakłada się np., że rękawy jej sukni mogły pierwotnie być czerwone – co widać na kopii obrazu z Prado.

Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru ogłosili, że nie będą już oddawać go na wystawy: „W obrazie powstały pęknięcia, a jedno z nich zatrzymuje się kilka milimetrów nad głową Mony Lisy .”

Analiza

Technika

Jak zauważa Dzivelegov, do czasu powstania Mony Lisy mistrzostwo Leonarda „weszło już w fazę takiej dojrzałości, kiedy zostały postawione i rozwiązane wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym, kiedy Leonardo zaczął czuć, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania techniki artystycznej zasługiwały na ich wykonanie. A kiedy znalazł w osobie Mony Lisy model, który zaspokoił jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych problemów techniki malarskiej, których jeszcze nie rozwiązał. Chciał, za pomocą technik, które już wcześniej opracował i wypróbował, zwłaszcza przy pomocy swojej sławy sfumato, który wcześniej dawał niezwykłe efekty, zrobić więcej niż dotychczas: stworzyć żywą twarz żywego człowieka i odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy w taki sposób, aby w pełni odsłoniły wewnętrzny świat człowieka. ”

Krajobraz za Mona Lisą

Boris Vipper zadaje pytanie „w jaki sposób osiągnięto tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości w obrazie Mony Lisy, wówczas należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest cudowne sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mawiać, że „modelowanie jest duszą malarstwa”. To sfumato tworzy wilgotne spojrzenie Giocondy, jej uśmiech lekki jak wiatr i niezrównaną, pieszczotliwą miękkość dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka otulająca twarz i sylwetkę, zmiękczająca kontury i cienie. W tym celu Leonardo zalecał umieszczenie, jak to określił, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami.

Rothenberg pisze, że „Leonardo zdołał wprowadzić do swojej twórczości taki stopień uogólnienia, który pozwala uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Ten wysoki stopień uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach malarskiego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w sposobie, w jaki lekki, przezroczysty welon, zakrywający głowę i ramiona Mony Lisy, spaja starannie zaczesane kosmyki włosów i drobne fałdy sukienki tworzą ogólnie gładki kontur; wyczuwalne jest to w niezrównanej miękkości modelowania twarzy (z której zgodnie z ówczesną modą usunięto brwi) i pięknych, smukłych dłoniach.”

Alpatov dodaje, że „w delikatnie topniejącej mgle spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał sprawić, że odczuto nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to dzięki przyciemnieniu oczodołów można odnieść wrażenie, że lekko się marszczą; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach znajdują się subtelne cienie, które sprawiają, że wierzysz, że co minutę będą się otwierać, uśmiechać i mówić. Sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niespójności jej doświadczeń. (...) Leonardo pracował nad tym kilka lat, dbając o to, aby na obrazie nie pozostał ani jeden ostry pociąg, ani jeden kanciasty zarys; i choć krawędzie znajdujących się w nim obiektów są wyraźnie wyczuwalne, wszystkie rozpływają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półświatła.”

Sceneria

Krytycy sztuki podkreślają, w jaki organiczny sposób artysta połączył cechy portretu osoby z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojeństwo portretu.

Wczesna kopia Mony Lisy z Prado pokazuje, jak wiele traci obraz portretowy, gdy zostanie umieszczony na ciemnym, neutralnym tle

W 2012 roku wyczyszczono kopię „Mony Lisy” z Prado, a pod późniejszymi nagraniami pojawiło się tło krajobrazowe – odczucie płótna natychmiast się zmienia.

Whipper uważa krajobraz za drugie medium tworzące duchowość obrazu: „Drugim medium jest relacja pomiędzy figurą a tłem. Fantastyczny, skalisty krajobraz, widziany jakby przez morską wodę, na portrecie Mony Lisy ma inną rzeczywistość niż sama postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się tak niesamowicie bliska i namacalna, a my postrzegamy ten krajobraz jako promieniowanie jej własnych snów.”

Badacz sztuki renesansu Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo także dzięki pejzażowi zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczym obrazie stworzył coś więcej niż portretowy wizerunek nieznanej florenckiej Mony Lisa, trzecia żona Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura mentalna konkretnej osoby są przez niego przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm nawiązuje do kosmicznej abstrakcji krajobrazu, niemal całkowicie pozbawionego jakichkolwiek oznak obecności człowieka. W przydymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko zarysy postaci i krajobrazu, ale także wszystkie tony kolorystyczne. W subtelnych, prawie niezauważalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji Leonardowskiego „sfumato”, wszelka określoność indywidualności i jej stanu psychicznego mięknie do granic możliwości, topnieje i gotowa jest zniknąć. (…) „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawiony abstrakcyjnie od jej indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym fale światła przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, można dostrzec całe bogactwo możliwości istnienia fizycznego i duchowego.

„Mona Lisa” została zaprojektowana w złocistobrązowych i czerwonawych odcieniach na pierwszym planie oraz szmaragdowo zielonych odcieniach w tle. „Przezroczyste, podobnie jak szkło, farby tworzą stop, jakby stworzony nie ręką człowieka, ale wewnętrzną siłą materii, która rodzi z roztworu kryształy o doskonałym kształcie”. Podobnie jak wiele dzieł Leonarda, to dzieło z biegiem czasu pociemniało, a relacje kolorystyczne nieco się zmieniły, ale nawet teraz wyraźnie można dostrzec przemyślane zestawienia odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodny” ton krajobrazu .

Miejsce malarstwa w rozwoju gatunku portretu

„Mona Lisa” uznawana jest za jedno z najlepszych dzieł w gatunku portretu, które wpłynęło na twórczość wysokiego renesansu i pośrednio za ich pośrednictwem na cały dalszy rozwój gatunku, który „musi zawsze powracać do La Giocondy jako coś nieosiągalnego, ale model obowiązkowy.”

Historycy sztuki zauważają, że portret Mony Lisy był decydującym krokiem w rozwoju portretu renesansowego. Rotenberg pisze: „choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie wiele znaczących dzieł tego gatunku, ich osiągnięcia w portrecie były, że tak powiem, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarstwa – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretu znalazła już odzwierciedlenie w samej „ikonografii” obrazów portretowych. Rzeczywiste dzieła portretowe XV wieku, mimo niezaprzeczalnego podobieństwa fizjonomicznego i emanującego z nich poczucia wewnętrznej siły, wyróżniały się także przymusem zewnętrznym i wewnętrznym. Całe bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, charakteryzujące biblijne i mitologiczne wizerunki malarzy XV-wiecznych, zwykle nie było własnością ich dzieł portretowych. Echa tego widać we wcześniejszych portretach samego Leonarda, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) Dla porównania portret Mony Lisy jawi się jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy pod względem znaczenia dorównał najbardziej uderzającym obrazom innych gatunków malarskich”.

„Donna Nuda” (czyli „Naga Donna”). Artysta nieznany, koniec XVI w., Ermitaż

W swojej nowatorskiej pracy Leonardo przeniósł główny środek ciężkości na twarz portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego środka charakterystyki psychologicznej. Nadając portretowi pokoleniowy format, artysta mógł zaprezentować szerszą gamę technik artystycznych. A najważniejsze w figuratywnej strukturze portretu jest podporządkowanie wszystkich szczegółów przewodniej idei. „Głowa i dłonie są niewątpliwym centrum obrazu, któremu poświęcane są pozostałe jego elementy. Bajeczny krajobraz zdaje się prześwitywać przez wody morskie, wydaje się tak odległy i nieuchwytny. Jego głównym celem nie jest odwracanie uwagi widza od twarzy. I taką samą rolę ma pełnić ubranie, które układa się w najmniejsze fałdy. Leonardo celowo unika ciężkich draperiów, które mogłyby zaciemnić wyrazistość jego dłoni i twarzy. Zmusza więc tych ostatnich do występów ze szczególną siłą, tym większą, im skromniejszy i bardziej neutralny jest krajobraz i strój, porównywany do cichego, ledwo zauważalnego akompaniamentu.

Uczniowie i naśladowcy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy. Część z nich (ze zbiorów Vernona w USA, z kolekcji Waltera w Baltimore w USA, a także przez pewien czas z Isleworth Mona Lisa w Szwajcarii) przez swoich właścicieli uważana jest za autentyczną, a obraz znajdujący się w Luwrze za kopię. Pojawia się także ikonografia „nagiej Mony Lisy”, prezentowana w kilku wersjach („Piękna Gabrielle”, „Monna Vanna”, Ermitaż „Donna Nuda”), najwyraźniej autorstwa własnych uczniów artysty. Duża ich liczba dała początek niemożliwej do udowodnienia wersji, że istnieje wersja nagiej Mony Lisy, namalowana przez samego mistrza.

Renoma obrazu

„Mona Lisa” za kuloodporną szybą w Luwrze i tłoczący się w pobliżu goście muzeum

Mimo że Mona Lisa cieszyła się dużym uznaniem współczesnych artysty, jej sława później przygasła. Obraz nie został szczególnie zapamiętany aż do połowy XIX wieku, kiedy artyści bliscy ruchowi symbolistycznemu zaczęli go wychwalać, łącząc go ze swoimi wyobrażeniami o kobiecej mistyce. Krytyk Walter Pater wyraził swoją opinię w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku, opisując postać na obrazie jako swego rodzaju mityczne ucieleśnienie wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, pomiędzy którymi siedzi” i która „umarła wiele razy i poznałam tajemnice życia pozagrobowego.” .

Dalszy wzrost sławy obrazu wiąże się z jego tajemniczym zniknięciem na początku XX wieku i szczęśliwym powrotem do muzeum kilka lat później (patrz niżej, rozdział Kradzież), dzięki czemu nie opuścił on łamów gazet.

Współczesny jej przygoda krytyk Abram Efros napisał: „...muzealny strażnik, który teraz nie odchodzi na krok od obrazu, odkąd powrócił on do Luwru po porwaniu w 1911 roku, nie pilnuje portretu Franceski żony del Giocondo, ale obraz jakiejś pół-człowieka, pół-węża, stworzenia, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego nad zimną, nagą, skalistą przestrzenią rozciągającą się za nim.

Mona Lisa to jeden z najsłynniejszych obrazów współczesnej sztuki zachodnioeuropejskiej. Jego znakomita reputacja związana jest nie tylko z wysokimi walorami artystycznymi, ale także z atmosferą tajemniczości otaczającej to dzieło.

Wszyscy wiedzą, jaką nierozwiązywalną zagadkę zadaje Mona Lisa fanom tłoczącym się przed jej wizerunkiem już od niemal czterystu lat. Nigdy wcześniej artystka nie wyraziła istoty kobiecości (cytuję wersety wyrafinowanego pisarza ukrywającego się pod pseudonimem Pierre Corlet): „Czułość i bestialstwo, skromność i ukryta zmysłowość, wielka tajemnica powstrzymującego się serca, rozumowanie umysłu, osobowości zamkniętej w sobie, porzucającej innych, można jedynie kontemplować jej blask.” (Eugeniusz Muntz).

Jedna z tajemnic wiąże się z głębokim uczuciem, jakim autor darzył to dzieło. Proponowano różne wyjaśnienia, np. romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo opóźniał pracę, aby zostać z nią na dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych uniesień. Ta wersja jest uważana za zwykłą spekulację. Dzivelegov uważa, że to przywiązanie wynika z faktu, że znalazł w niej punkt zastosowania dla wielu swoich twórczych poszukiwań (patrz sekcja Technika).

Uśmiech Giocondy

Uśmiech Mony Lisy to jedna z najbardziej znanych tajemnic obrazu. Ten lekki, błądzący uśmiech można odnaleźć w wielu pracach zarówno samego mistrza, jak i Leonardesków, jednak dopiero w Mona Lisie osiągnął on swą doskonałość.

Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).

Graszczenkow pisze: „Nieskończona różnorodność ludzkich uczuć i pragnień, przeciwstawnych namiętności i myśli, wygładzonych i stopionych ze sobą, rezonuje w harmonijnie beznamiętnym wyglądzie Giocondy tylko z niepewnością jej uśmiechu, ledwo pojawiającego się i znikającego. Ten bezsensowny, przelotny ruch kącików jej ust, niczym odległe echo złączone w jeden dźwięk, przynosi nam z bezgranicznej odległości barwną polifonię duchowego życia człowieka”.

Krytyk sztuki Rotenberg uważa, że „w całej sztuce światowej niewiele jest portretów dorównujących Mona Lisie pod względem siły wyrazu ludzkiej osobowości, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. To niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od portretów Quattrocento. Ta cecha jego twórczości jest tym dotkliwiej dostrzegana, że nawiązuje do portretu kobiecego, w którym charakter modelki ujawniał się wcześniej w zupełnie innej, przeważnie lirycznej, figuratywnej tonacji. Poczucie siły emanujące z „Mony Lisy” jest organicznym połączeniem wewnętrznego spokoju i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii osoby opartej na świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości czy pogardy; jest postrzegane jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli.”

Boris Vipper zwraca uwagę, że wspomniany brak brwi i ogolone czoło być może mimowolnie potęgują dziwną tajemniczość w jej wyrazie twarzy. O potędze obrazu pisze dalej: „Jeśli zadamy sobie pytanie, jaka jest wielka siła przyciągania Mony Lisy, jej naprawdę nieporównywalne działanie hipnotyczne, to odpowiedź może być tylko jedna – w jej duchowości. Najbardziej pomysłowe i najbardziej przeciwne interpretacje znalazły się w uśmiechu „La Giocondy”. Chcieli odczytać w nim dumę i czułość, zmysłowość i kokieterię, okrucieństwo i skromność. Błąd polegał po pierwsze na tym, że w obrazie Mony Lisy za wszelką cenę szukano indywidualnych, subiektywnych właściwości duchowych, podczas gdy nie ulega wątpliwości, że Leonardo dążył do typowej duchowości. Po drugie, co może nawet ważniejsze, próbowano przypisać duchowości Mony Lisy treść emocjonalną, podczas gdy w rzeczywistości ma ona korzenie intelektualne. Cud Mony Lisy polega właśnie na tym, że ona myśli; że stojąc przed pożółkłą, popękaną deską nieodparcie odczuwamy obecność istoty obdarzonej inteligencją, istoty, z którą możemy rozmawiać i od której możemy oczekiwać odpowiedzi.

Lazarev analizował to jako naukowiec zajmujący się sztuką: „Ten uśmiech jest nie tyle indywidualną cechą Mony Lisy, ile typową receptą na psychologiczną rewitalizację, formułą, która niczym czerwona nić przebiega przez wszystkie młodzieńcze obrazy Leonarda, formułą, która później stała się w rękach swoich uczniów i naśladowców, w tradycyjny znaczek. Podobnie jak proporcje postaci Leonarda, opiera się na najlepszych pomiarach matematycznych, przy ścisłym uwzględnieniu wartości wyrazistych poszczególnych części twarzy. A mimo to ten uśmiech jest absolutnie naturalny i na tym właśnie polega siła jego uroku. Zdejmuje z twarzy wszystko, co twarde, napięte i zamrożone, zamienia ją w zwierciadło niejasnych, nieokreślonych przeżyć emocjonalnych, w swojej nieuchwytnej lekkości można ją porównać jedynie do fali biegnącej po wodzie.

Jej analiza przyciągnęła uwagę nie tylko historyków sztuki, ale także psychologów. Zygmunt Freud pisze: „Kto wyobraża sobie obrazy Leonarda, kojarzy się z dziwnym, urzekającym i tajemniczym uśmiechem ukrytym na ustach jego kobiecych wizerunków. Uśmiech zamrożony na wydłużonych, drżących wargach stał się dla niego charakterystyczny i najczęściej nazywany jest „leonardowskim”. W szczególnie pięknym wyglądzie florenckiej Mony Lisy del Gioconda najbardziej urzeka i pogrąża widza w zamęcie. Ten uśmiech wymagał jednej interpretacji, ale znalazł wiele interpretacji, z których żadna nie była satysfakcjonująca. (...) Wśród wielu krytyków zrodziło się przypuszczenie, że w uśmiechu Mony Lisy połączyły się dwa różne elementy. Dlatego w wyrazie twarzy pięknej Florentynki dostrzegły najdoskonalszy obraz antagonizmu rządzącego życiem miłosnym kobiety, powściągliwości i uwodzenia, ofiarnej czułości i lekkomyślnie wymagającej zmysłowości, która pochłania mężczyznę jako coś obcego. (...) Leonardo w osobie Mony Lisy zdołał odtworzyć podwójne znaczenie jej uśmiechu, obietnicę bezgranicznej czułości i złowrogiej groźby.”

Kopia z XVI w. znajdująca się w Ermitażu w Petersburgu

Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).

Dzieje malarstwa w czasach nowożytnych

W chwili jego śmierci w 1525 r. asystent (i być może kochanek) Leonarda imieniem Salai był w posiadaniu, zgodnie z wzmiankami w jego osobistych dokumentach, portretem kobiety o imieniu „La Gioconda” ( quadro de una dona aretata), który został mu przekazany przez nauczyciela. Salai pozostawił obraz swoim siostrom, które mieszkały w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, w jaki sposób w tym przypadku portret przedostał się z Mediolanu do Francji. Nie wiadomo też, kto i kiedy dokładnie obciął krawędzie obrazu z kolumnami, które według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniały w wersji oryginalnej. W przeciwieństwie do innego wykadrowanego dzieła Leonarda - „Portret Ginevry Benci”, którego dolna część została przycięta, ponieważ została uszkodzona przez wodę lub ogień, w tym przypadku przyczyny były najprawdopodobniej natury kompozycyjnej. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci.

Tłum w Luwrze w pobliżu obrazu, nasze dni

Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia (za 4000 ecu) i trzymał go w swoim zamku w Fontainebleau, gdzie pozostał do czasów Ludwika XIV. Ten ostatni przewiózł ją do Pałacu Wersalskiego, a po rewolucji francuskiej trafiła do Luwru. Napoleon powiesił portret w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wrócił do muzeum.

W czasie II wojny światowej ze względów bezpieczeństwa obraz przewieziono z Luwru do zamku Amboise (miejsca śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu, a na koniec do Muzeum Ingres w Montauban, skąd po zwycięstwie bezpiecznie wrócił na swoje miejsce.

Wandalizm

W 1956 r. dolna część obrazu uległa zniszczeniu, gdy zwiedzający oblał go kwasem. 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził warstwę farby na łokciu (strata została później odnotowana). Następnie Mona Lisa została zabezpieczona kuloodpornym szkłem, które chroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami. Mimo to w kwietniu 1974 roku kobieta, zdenerwowana polityką muzeum wobec osób niepełnosprawnych, podczas ekspozycji obrazu w Tokio próbowała spryskać czerwoną farbą z puszki, a 2 kwietnia 2009 roku Rosjanka, która nie otrzymała obywatelstwo francuskie, rzucił w szybę glinianym kubkiem. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.

W sztuce

Kazimierz Malewicz. „Kompozycja z Mona Lisą”.

obraz:

Kazimierz Malewicz stworzył „Kompozycję z Moną Lisą” w 1914 roku.
W 1919 roku Dadaista Marcel Duchamp stworzył dzieło „L.H.O.O.Q.”, które stało się punktem zwrotnym dla kolejnych dzieł artystów. , będący reprodukcją słynnego płótna z narysowanymi wąsami.
Fernand Léger namalował „Mona Lisę z kluczami” w 1930 roku.
Rene Magritte w 1960 roku stworzył obraz „La Gioconda”, w którym nie ma Mony Lisy, ale jest okno.
Andy Warhol w 1963 i 1978 stworzył kompozycję „Cztery Mona Lisy” i „Trzydzieści są lepsze niż jeden Andy Warhol” (1963), „Mona Lisa (dwa razy)” ().
Salvador Dali namalował Autoportret jako Mona Lisa w 1964 roku.
Przedstawiciel sztuki figuratywnej